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Por Eleonora Scherini:

Al hablar de salas expositivas es fácil que la mente vuele hacia paredes blancas solemnemente galardonadas por obras de arte, acompañadas por un cartelito informativo y debidamente distanciadas, con el fin de permitir al espectador la detenida contemplación de toda la maestría contenida en los cuatro argenes de un marco, pues bien, nada mas lejos de la instalación site specific, ideada por Rui Macedo, para una de las salas del IVAM.

Al entrar, salta a la vista el color rojo y la laberíntica distribución de la superficie expositiva que, siguiendo la numeración ascendente de las obras en ella colgadas, lleva a un nicho donde queda custodiada la obra madre, premio para todo espectador persistente y síntesis de la misma instalación: Sobre un gran lienzo, pertinentemente aislado, están reproducidas las demás obras expuestas, insertadas en un juego pictórico que simula espacios y puertas entreabiertas, que recuerdan a un cabinet d’amateurs moderno.

El montaje de la exposición, confiado al mismo artista a causa de los supuestos estéticos en los que su producción se apoya, evoca la misma sensación de encontrarse en una colección privada, fruto del bagaje y del gusto personal, donde en las paredes rebosantes habrá que encontrar un hueco para la pieza que vendrá, de ahí quizás la referencia a la totalidad imposible del título, una totalidad aún por acabar. Pero también se refieren a aquella imposibilidad los cuadros seccionados y colocados en la parte inferior de la pared, que insinúan una continuidad en el subsuelo, en un espacio que no es accesible al espectador y que rememora un famoso descenso a un mundo maravilloso.

Paisaje 18 o El Crsital (2011). Óleo sobre lienzo, 81 x 116 cm.

Así como la Alicia de Carrol, precipitándose en un pozo, descubría una especialidad concebida según nuevas reglas que subvertían el concepto de inmutabilidad, el espectador se encuentra penetrando el espacio artístico, enfrentado a lienzos carentes de acción, lugar y tiempo definidos, que devuelven la traducción del mundo visible según la imagen del mundo interior del artista. Rui Macedo invita al público a vivir un segundo de esa caída, el segundo que le pertenece a su investigación y que queda inmortalizado en la sala expositiva.

Las obras de Macedo constituyen de hecho un recorrido. Crean un microclima sujeto a todas y cada una de ellas. Desbordando los marcos, empiezan en una para colarse y continuar en la siguiente y a la vez entretejen un dialogo con el pasado y con sus referentes, conscientes de su continuidad con ellos y de participar de un mismo viaje, que hace de la realidad representación subjetiva y que, abarcando la historia del arte entera, se muestra con su infinidad de caras y facetas.

Por eso Macedo hace continuos guiños a la obra de artistas como Durero, Miguel Angel, Caravaggio, Poussin, Bronzino, Tintoretto, Matisse, Mondrian, troceando y extirpando figuras y repitiéndolas en otros contextos, modernizándolas con colores vivos y atmósferas POP, elaborando una vez más una representación de la realidad dictada por íntimas reglas.

El artista descentraliza la atención desde el consueto punto de interés contenido en un marco, sea este físico o abstraído en una forma cuadrilátera, a un espacio más amplio, donde no hay punto de observación preferente, ya que la única contemplación posible es la lectura del conjunto. Es imposible no entrelazar los elementos que se repiten y mutan en el pasaje de una obra a la otra, siguiendo una modalidad que podría ser propia del paso del tiempo o del curso de las ideas. Cada pieza es un factor de la ecuación que da como resultado esa totalidad parcial de la que nos da cuenta Macedo, su propia interpretación del mundo.

Enlaces relacionados: Ficha de la exposición – Catálogo online – Página de Rui Macedo.

No se muy bien dónde encuadrar a Murakami porque ha sobrepasado con creces la categoría de “artista” para alcanzar el grado de “icono”, al menos en Japón. Desde luego, el negocio funciona a las mil maravillas: aunque sus obras alcanzan precios desorbitados, se puede también encontrar “accesorios” y reproducciones a precios muy asequibles.

Dio sus primeros pasos en el arte Nihonga, un estilo pictórico que prima el uso de materiales y técnicas tradicionales japonesas, y nacido a finales del siglo XIX como reacción a la influencia de Occidente en la cultura nipona. No obstante, pronto cambió de tercio centrándose en la obsesión de buena parte de la sociedad asiática por el manga y los dibujos animados (otaku). Posteriormente fundó el movimiento artístico Superflat con el objetivo de representar lo que él denomina la cultura Poku (Pop+otaku) y cuyas características formales más importantes son: imágenes basadas en la animación, colores planos y un fuerte carga de fetichismo sexual. Entre sus obras más conocidas se encuentran sus “flores con caras” y sobre todo los personajes Kaikai y Kiki.

Ahora podemos ver su trabajo en MOCA, ya que del 29 de octubre de 2007 al 11 de febrero de 2008 se celebra allí una retrospectiva, la mayor hasta la fecha, de este artista. Los internautas estamos de suerte porque el museo ha dispuesto una exhibición en línea especial.

Nota: en 2208 esta exposición recalará en el Guggenheim de Bilbao.

En la Tate Modern acaba de terminar la que ha sido la primera retrospectiva que exploraba el trabajo conjunto de los artistas suizos Peter Fischli y David Weiss, pero nos han dejado un recorrido virtual bastante interesante.

Peter Fischli (1952) y David Weiss (1946). Artistas suizos. Su colaboración se remonta a 1979. En sus trabajos utilizan técnicas tan diversas como el cine, el vídeo, la escultura o la fotografía. La reflexión de su obra se centra en una revisión de la realidad cotidiana en la que aparece distorsionado uno de los parámetros fundamentales del mundo contemporáneo: el tiempo. Aderezadas con inteligentes dosis de ironía, sus piezas reivindican una normalidad sutilmente traspasada por las fuerzas de lo mágico y cuestionan la categoría de la obra de arte con estrategias que se inscriben en la mejor tradición duchampiana. Entre sus obras destacan las series de fotografías como “Flowers”, “Cars” o “Airports”. La obra que les dio a conocer en la octava edición de la Documenta fue el vídeo Der Lauf der Ringe (“El funcionamiento de las cosas”), auténtica filigrana del arte cinético en la que se ofrece un interminable encadenamiento de causas y efectos que provocan el movimiento de diversos objetos y que ha sido vista como una metáfora en miniatura del funcionamiento de nuestro propio mundo. Entre sus exposiciones más recientes puede mencionarse “Visible world” (2000-2001), basada en la obra del mismo nombre, y que recorrió diversos museos europeos como la Fundación Serralves de Oporto o el MACBA de Barcelona [Vía: www.masdearte.com]