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Hoy finaliza en El Museo Metropolitano de Arte de Nueva York la muestra Arte y Amor en la Italia Renacentista, una exposición de más de 150 objetos en la que se refleja la relación entre ambos conceptos en una época de exaltación y elogio del Hombre desde un punto de vista “mundano”, en oposición a la consideración medieval del ser humano como ser-para-Dios.
La exposición nos deja variados recursos online para gozo de los amantes del arte: 27 ensayos (nacimiento, bodas, armas, el papado, la liturgia cristina, etc), mapas, líneas de tiempo y vídeos explicativos. A los profesores de Arte tal vez les interese la sección dedicada a la enseñanza.
Peine de mujer, siglo XV o XVI. Durante el Renacimiento, los peines y otros objetos de aseo personal formaron parte del ajuar de boda.
…pero necesarias, visto el desigual interés de dos instituciones, el Museo del Prado y la National Gallery of Art, en volcar contenidos en la Red. En la primera, Tintoretto, uno de los más grandes pintores del Renacimiento italiano, recibe un merecido homenaje con la exposición de 70 de sus obras. Por desgracia, ni una sola de ellas se muestra en la Red. Bueno…, sí, las que aparecen como portada en las páginas. Véanlo.
Nos vamos ahora a Washington. Allí, la National Gallery of Art analiza la obra de Jasper Johns, más en concreto su trabajo entre 1955 y 1965. En 2004 ya recogimos unas cuantas direcciones que facilitaban abundante información sobre este artista, Ahora, contamos con una nueva exposición virtual muy completa. Como podrán comprobar, nada que ver con la del Museo del Prado.
Jasper Johns, Skin with O’Hara Poem, 1963/1965
Gift of the Woodward Foundation, Washington, D.C.
Published by Universal Limited Art Editions © Jasper Johns and U.L.A.E./Licensed by VAGA, New York, NY
1976.56.71
Durante la primera mitad del siglo XV se puso de moda entre la clase pudiente —nobles, clérigos, banqueros, comerciantes,…— encargar un tipo de trabajo artístico muy particular: los dípticos, dos paneles unidos por bisagras a modo de libro. Normalmente eran de tamaño pequeño pues su uso previsto era la contemplación privada, las imágenes representaban habitualmente a quienes los encargaban y la temática solía ser religiosa. Este tipo de obras fueron realizadas, no sólo por artistas de “segunda fila”, sino también por “primeros pinceles” como Michael Sitow, Rogier van der Weyden, Hans Memling, Gerad David o Jan van Eyck. En la National Gallery of Art de Washington se pueden verse 36 pares de tablas algunos de ellos: Prayers and Portraits.
Master of the Magdalen Legend, Virgin and Child, 1490/1500, and unknown French artist, Willem van Bibaut, 1523
Oil on panel
Left: 30.4 x 20.7 cm (12 x 8 1/8 in.); right: 30.4 x 20.4 cm (12 x 8 in.), including frames
Private Collection
La Gioconda o Mona Lisa es una de las obras más famosas del Museo del Louvre pues, no en vano, su enigmática sonrisa ha cautivado a todos cuantos la han contemplado. Ahora, un nuevo estudio llevado a cabo por el Consejo Nacional de Investigaciones de Canadá (NRC) ha sacado a la luz sus secretos mejor guardados gracias a un avanzado escáner.
En una de esas capas ocultas a la vista, el análisis muestra, por ejemplo, un vestido de malla que solían utilizar las mujeres del XVI cuando estaban en cinta. Da Vinci, por tanto, pudo pintar el cuadro cuando la modelo —una dama florentina de nombre Lisa Gherardini— estaba embarazada o acababa de dar a luz.
En cualquier caso, el estudio ha revelado que la obra se encuentra en buen estado. Por supuesto, ningún análisis podrá jamás replicar la maestría de Leonardo en la técnica conocida como sfumato, consistente en difuminar los contornos, y lograr así la impresión de estar observando una figura en tres dimensiones.
Para saber más: La Gioconda en el Museo del Louvre (francés) y también en este museo, A Closer Look at the Mona Lisa (inglés) :: Detalles de la investigación en el NRC (La versión “flash” tiene la ventaja de incluir una práctica lupa)
Se cumplen quinientos años de la muerte de Andrea Mantegna y las tres ciudades que le vieron formarse y triunfar como artista se han unido para recordar con un gran proyecto, que engloba tres completas muestras, con más de 350 piezas, la personalidad y la obra de este maestro del Quattrocento italiano. Padua, Mantua y Verona reflexionan así sobre diferentes aspectos de la obra de Mantegna, en la que conviven la pasión por la antigüedad clásica con el afán de innovación que le llevó a ser pionero en el diseño de perspectivas y escorzos arriesgados, así como en el empleo de nuevas técnicas compositivas. [Seguir leyendo en masdearte.com].
- Recorrido por los museos.
- Galería de imágenes de la exposición italiana. Como pueden comprobar por la siguiente imagen, la muestra incluye obras de otros artistas.
DONATELLO. Dall’altare maggiore: Il miracolo della mula (Padova, Basilica del Santo)
El arte veneciando del siglo XVI ha sido objeto de varias exposiciones, las más recientes en Londres, París, Roma e incluso la propia Venecia. Sin embargo, la exposición Bellini, Giorgione, Titian, and the Renaissance of Venetian Painting, que la National Gallery of Art de Washington presenta hasta el próximo 17 de septiembre, pretende diferenciarse de las anteriores explorando las relaciones entre los artistas y centrándose en las pinturas realizadas en las tres primeras décadas del mencionado siglo. 60 obras de Giovanni Bellini (Venecia, ca. 1430 – 1516), Giorgione (Castelfranco, Véneto, ca. 1477 – Venecia, 1510) y Tiziano (Pieve di Cadore, ca., 1488 – Venecia, 1576) que recorren las temáticas preferidas de aquellos años: los paisajes pastorales, la música, los desnudos femeninos y los retratos románticos.
La exposición on-line es sencillamente genial, destacando dentro de la sección “Related Resources” el apartado Exhibition Feature with Audio (Requiere Flash player).
Giorgione
The Adoration of the Shepherds, 1505/1510
Samuel H. Kress Collection
El enigma y el mito han rodeado siempre a la figura de Giorgione, un pintor del que se ha afirmado que poseía extraordinarios conocimientos de poesía, música, filosofía, alquimia y astrología, conocimientos que habría proyectado en sus misteriosas pinturas, que tantos ríos de tinta han hecho correr -La tempestad interpretada, el libro de Salvatore Settis, es solo un ejemplo.
Los tres filósofos. c. 1508/09. Canvas. H 123.5 cm, W 144.5 cm.
Vienna, Kunsthistorisches Museum
El mito de Giorgione sin duda se ha visto favorecido por la grandes incógnitas que aún hoy envuelven su biografía. Apenas se sabe que su verdadero nombre fue Zorzi, que nació en Castelfranco hacia 1477 y que murió joven, en 1510, muy posiblemente a causa de la peste. No obstante, y a pesar de la brevedad de su carrera, Giorgione desarrolló una innovadora técnica pictórica que puso las bases del dorado settecento veneciano y que sirvió de punto de partida a su discípulo más brillante, Tiziano. En su pincelada se unió lo mejor de cada casa: el esfumado leonardesco por un lado y las finas veladuras de los maestros del norte por otro, sumándose a ello una nueva concepción del color y de la luz de estirpe inequívocamente veneciana. El paisaje, anímicamente modulado por fenómenos naturales como las tormentas o los atardeceres, constituyó uno de sus principales motivos de estudio y con él se convirtió también en una de las notas distintivas de los pintores de Venecia. El pequeño tamaño de sus obras y su carácter secreto puede explicarse en parte porque trabajó sobre todo para comitentes privados –apenas se conservan obras de su mano destinadas a los altares-, sofisticados patricios venecianos que tal vez influyeron en la compleja iconografía que las caracteriza. Una exposición de Giorgione constituye siempre un acontecimiento extraordinario, no sólo por la importancia que su creación tiene en la historia del arte, sino por la escasez de obras que se relacionan con su nombre –su catálogo es muy controvertido y, entre otras cosas, sólo uno de sus cuadros está firmado. Leer el resto de la entrada »
O la recepción del humanismo en el primer Renacimiento español. El objetivo de esta exposición es recrear la figura de Erasmo, su obra, su pensamiento y sus vínculos con España.
Cuenta con cuatro secciones: catálogo on-line, visita virtual, piezas y audioguía.
Medallón de Erasmo y Terminus
Tomás Moro escribió en 1517 un poema con motivo del doble retrato de sus amigos Erasmo y Peter Gillis, que acababa de recibir. En él se lamenta de que retratos de tan buena calidad se hagan sobre soportes frágiles y no sobre un material más duradero, como la piedra natural o el metal fundido. Parece que este comentario caló hondo en Erasmo, que dos años más tarde encargó a Quintín Metsys el diseño de un medallón excepcionalmente grande. Con el encargo de la fundición del mismo, Erasmo continúa la tradición renacentista de hacerse representar como individuo ejemplar, para luego repartir su efigie entre amigos y conocidos. Se han conservado varios ejemplares de este medallón, la mayoría en bronce y algunos en plomo, distribuidos en varias colecciones museísticas.
El aquí expuesto presenta en el anverso un busto de Erasmo, de perfil, y a izquierda y derecha, las inscripciones ER[asmus] ROT[erodamus], la fecha de 1519 al pie, y en el borde del medallón un texto en griego y en latín: ‘‘THN KREITTW [scil. EIKONA] TA SUGGRAMMATA DEIXEI’ (‘sus escritos muestran una [imagen] mejor’) e ‘IMAGO AD VIV¯A EFFIGI¯E EXPRESSA’ (‘retrato del natural’) [Seguir leyendo en SEACEX].
El 22 de junio de 2004 supuso un nuevo avance en la historia de la Catedral de Valencia debido al hallazgo del más importante conjunto de pintura italiana en Valencia, una “novedad” de quinientos treinta y un años de antigüedad. Estos frescos, situados en el ábside, han permanecido todo este tiempo ocultos bajo una superficie construida en el último tercio del siglo XVII.
Detalle de los frescos renacentistas
«Leonardo da Vinci, Master Draftsman»: El Met presenta lo mejor de Leonardo, en una muestra que indaga en el origen de sus creaciones a través del dibujo.
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- Bitácora patrocinada por el Ayuntamiento de La Puebla de Alfindén
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