Palma el Viejo (Jacopo Negretti), Serina, 1479/1480 - Venecia, 1528: Retrato de una mujer joven llamada "La Bella", hacia 1518 - 1520.Palma el Viejo (Jacopo Negretti), Serina, 1479/1480 - Venecia, 1528: Retrato de una mujer joven llamada "La Bella", hacia 1518 - 1520.
Óleo sobre lienzo. 95 x 80 cm
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid.
Nº INV. 310 (1959.2)


Palma el Viejo nació en Serina, una localidad próxima a la ciudad de Bérgamo, pero desarrolló toda su carrera en Venecia, donde está documentado ya en 1510. En sus primeros trabajos se ha reconocido el estilo de Andrea Pevitali, artista de Bérgamo con quien pudo haber estudiado. En el repertorio de Palma el Viejo hay dos temas que destacan sobre todos los demás, se trata de las Sagradas Conversaciones y de las figuras femeninas pintadas sensualmente y presentadas al espectador de medio cuerpo. El Museo Thyssen-Bornemisza conserva en su colección ejemplos significativos de ambos temas del periodo de madurez de Palma el Viejo. Vasari sobre estas pinturas nos dice que, aunque no fueron excelentes, las obras de Palma reflejan conceptos positivos, pues «retrataba mucho la parte más real y natural de los hombres». Vasari le alaba especialmente por el colorido, que usó «con suma gracia y orden», y en el que se aprecia una uniformidad y unos matices que, según el crítico, superan al dibujo.

Este lienzo, en el que Palma sintetiza características distintivas de la pintura veneciana del Renacimiento, es, dentro de su grupo de figuras, una de sus composiciones más hermosas y conseguidas. La obra estuvo en la colección Sciarra-Colonna de Roma, donde estaba atribuida a Tiziano; es más, antiguamente se la conocía como «la bella de Tiziano ». De la colección romana la pintura pasó a la del barón Édouard de Rothschild, que la instaló en el Château Ferrières, permaneciendo en esta familia hasta 1958, cuando fue adquirida al barón Guy de Rothschild para la colección de Villa Favorita.

Palma coloca a esta mujer en un interior del que se percibe parte de una arquitectura en el ángulo superior derecho y un sencillo pretil escalonado por donde se asoma. Ambos elementos delimitan el espacio donde el artista sitúa a esta joven de medio cuerpo y que gira su cabeza hacia el espectador, al que mira con fijeza. La luz va modelando con precisión su rostro y su cuerpo, y el pintor logra suaves tonalidades para las pálidas carnaciones de sus hombros, cara y manos. Esta piel blanquecina que casi se funde con la escotada camisa, contrasta con las generosas telas verdes y azules con las que se viste la muchacha, y que se pliegan originando multitud de arrugas sobre el poyete de piedra donde descansan. Las mangas bicolores, rojas y blancas, se tejen consiguiendo cuatro elegantes combinaciones con distintos dibujos, los cuales conducen a unas manos, redondeadas, que centran nuestra atención en dos elementos: un pequeño recipiente que parece contener finas cadenas y el largo y aclarado cabello de la mujer, una parte del cual cae sobre el hombro y es recogido con suavidad por los dedos.

El modelo que Palma utilizó para este prototipo nos remite a Tiziano y a sus alegorías. Concretamente la atribución de esta pintura a Tiziano se debió, en parte, a su parecido con una de las figuras del Amor sacro y el Amor profano  de la Galleria Borghese de Roma. Este tipo de mujer lo encontramos ya en obras tempranas del artista, como La dama en azul del Kunsthistorisches Museum de Viena, fechada hacia 1512- 1514. Estos bustos, en los que las muchachas lucen amplios escotes, y la sensualidad que muestran, tanto en las posturas como en los gestos y en la mirada, han hecho pensar a la crítica que tal vez pudieran ser modelos que simplemente reflejaran un canon de belleza vinculado a su tiempo, no excluyéndose como fuente de inspiración las famosas cortesanas venecianas. Sin embargo, algunos de los elementos que se incluyen en esta obra, como el recipiente con joyas, y el hecho de que la hermosa mujer lleve una de sus manos al cabello, abrió la posibilidad a que la pintura fuera una alusión a la vanidad. Otro detalle de este lienzo que también ha dado pie a la interpretación de la figura es el relieve que aparece en el ángulo superior derecho, donde un jinete pisotea a un hombre desnudo, que se ha explicado como un testigo del gusto clásico o como un elemento vinculado a la vanidad, entre otras lecturas. Las iniciales mayúsculas que se esculpen en la piedra, en el ángulo inferior izquierdo, no han podido descifrarse. Tal vez ellas sean la clave para interpretar el tema o desvelar la identidad de la dama. «La Bella» se ha fechado hacia 1518-1520.

Por Mar Borobia en Museo Thyssen-Bornemisza. Obras escogidas (el libro puede comprarse en la tienda online del museo).

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Juan Gris (Madrid 1887–1927 Boulogne-sur-Seine): Cup, Glasses, and Bottle (Le Journal), 54.9 × 46 cm. Paris, spring–summer 1914. Met Museum.
Juan Gris: Le Journal

En 1914, a lo largo de ocho meses, Juan Gris se dedicó casi exclusivamente al medio híbrido del papier collé, creando más de cuarenta composiciones que mezclan materiales de dibujo y papeles cotidianos con pintura sobre lienzo. El Met Museum posee varias de estas obras, incluida la de la imagen, procedente de la histórica donación de la Colección Cubista Leonard A. Lauder. Dada la presencia de papel de periódico en sus obras, Gris probablemente las realizó en primavera, antes de abandonar París para pasar el verano en Collioure. En conjunto, ofrecen una extraordinaria ventana a la invención cubista del papier collé, así como a la gran habilidad e ingenio de Gris. Los papiers collés de Gris de 1914 han sido elogiados por el erudito cubista John Golding, quien escribió que "representan el clímax de la exploración de Gris de las posibilidades intelectuales del cubismo y de las nuevas técnicas que ha introducido".

El papier collé, método consistente en adherir diversos elementos de papel en una composición para romper la tradición de la representación pictórica, fue una técnica cubista inventada en 1912 por Georges Braque y Pablo Picasso. Al principio, Gris sólo lo utilizó ocasionalmente, pero fue él quien expuso por primera vez una composición de ese tipo (El lavabo, 1912, colección privada), en la exposición Section d'Or de 1912 en la Galerie la Boétie, París, donde recibió gran atención de la crítica por la "curiosa originalidad de [su] imaginación".

A diferencia de los de Braque y Picasso, cuyos papiers collés suelen ser sobrios y resistentes a la lectura, las obras de Gris se asemejan más a pinturas, con toda su superficie cubierta de papel y pintura. Planificaba cuidadosamente sus composiciones, construyéndolas con trozos de papel cortados, combinados y superpuestos —algunos lisos, otros páginas de diarios, otros papeles pintados con superficies de imitación— y luego delineaba, sombreaba y resaltaba las formas, reuniendo todos los elementos en conjuntos sintéticos. A menudo, estas obras también se inspiran en la tradición del trampantojo. Cuestionan la naturaleza de la representación mediante juegos perceptivos y psicológicos que complican la verdad y la ficción. Atento a las propiedades icónicas de sus materiales, Gris se deleitaba con estos juegos visuales. Sus composiciones en papier collé -con su oportunidad única para la rima pictórica, el truco óptico y la lectura errónea potencial- dan testimonio de su humor artístico.

Este collage representa un bodegón colocado sobre una mesa de madera con una servilleta a rayas, vasos de tallo, una botella tapada con corcho, tazas de café con cucharas y un periódico (Le Journal). A la derecha de la botella hay una bolsa de tabaco dibujada a mano con un cordel del que cuelga un toggle de imitación de madera (faux bois) cuidadosamente cortado, y un paquete de tabaco. En esta composición, Gris hace hincapié en el periódico, cuya forma plegada ocupa casi toda la anchura del lienzo. La fecha (domingo 17 de mayo de 1914) es visible, aunque varios elementos de la naturaleza muerta ocultan partes del texto. Los titulares y los fragmentos de artículos relatan, sin embargo, diversos acontecimientos: la visita de Estado de los reyes de Dinamarca, el juicio inminente de una mujer acusada de asesinato y la demostración del ferrocarril de levitación electromagnética del inventor Émile Bachelet. El bodegón, una imagen cotidiana ambientada en un bar o un café obrero, rebosa la energía del mundo moderno.

Ver The Visual Games of Juan Gris. How the artist’s unorthodox techniques fool and delight the eye. Dos notas al respecto de este sitio. Primero, le cuesta un poco cargarse así que un poco de paciencia. En segundo lugar, los textos están en inglés pero son seleccionables y pueden traducirse con cualquier traductor en línea.

Taller helenístico ?; Belle, Josias ? : Copa de sardónice con cabeza de águila, 323 a.C. - 321 a.C. (?); Después de 1689.Taller helenístico ?; Belle, Josias ? : Copa de sardónice con cabeza de águila, 323 a.C. - 321 a.C. (?); Después de 1689.
Cincelado; Esmaltado; Tallado; Engastado.
Dimensiones: Alto: 22,7 cm; Ancho: 16,3 cm; Fondo: 13,5 cm; Peso: 842 g; Diámetro de la base: 10,7 cm.
Museo Nacional del Prado, número de catálogo O000043.


Vaso formado por tres fragmentos de ágata y cinco guarniciones de oro esmaltado. El cuerpo es una pieza antigua, con ancha guarnición de oro al borde, con un diseño esmaltado de hojarascas blancas y negras unidas por festones de cintas azules. Sobre este se apoya una cabeza de águila en esmalte blanco y negro, con el pico de oro y dos rubíes por ojos. Un grueso nudo sustenta la copa y el vástago se une al pie con otra guarnición menor que repite los diseños. Una última guarnición de cintas quebradas y semicírculos azules entreverados de hojarasca recorre el pie. Las tres guarniciones se enriquecen con sobrepuestos de rubíes, esmeraldas y diamantes. Es similar a otro vaso de la colección del Museo del Prado, el O44. Originalmente contaba con un dragón alado, de oro esmaltado y cubierto también pedrería, que servía de asa y fue robado en 1918. Verlet propuso una posible atribución al platero Josias Belle. El estado anterior al robo de 1918 se conoce por la fotografía de Juan Laurent y Minier, Coupe agate sardoine, montures d’or et argent avec pierres précieuses et émaux, XVIe siècle, règne de François II.

El recurso decorativo del pico y asa de formas animalísticas aparece también en varias piezas de la colección de Luis XIV. Dada la cantidad de vasos con sus guarniciones estilísticamente emparentadas y la documentación sobre reformas realizadas en ellos, cabe presumir que este grupo de monturas se realizaron simultáneamente para el monarca y su hijo en la década final del siglo XVII. Esto coincide con el auge de la moda de las hojarascas, propiciada en la corte gracias a series como las Louis Rupert, las del monogramista PC, activo en París hacia 1672-1676, o los motivos de cintas quebradas de Berain o Daniel Marot, artista que, expulsado tras el Edicto de Nantes, como otros tantos compatriotas, contribuyó decisivamente a la propagación del estilo clasicista francés en los Países Bajos.

El Tesoro del Delfín es un conjunto de vasos preciosos que, procedentes de la riquísima colección de Luis, gran Delfín de Francia, vinieron a España como herencia de su hijo Felipe V, primer rey de la rama borbónica española. Luis de Francia (1661-1711), hijo de Luis XIV y María Teresa de Austria, comenzó su colección tempranamente influenciado por su padre; la adquisición de obras se producía por diversas vías, desde regalos hasta su compra en subastas y almonedas. Al morir el Delfín, Felipe V (1683-1746) recibe en herencia un conjunto de vasos con sus respectivos estuches, que fueron enviados a España. En 1716 estaban en el Alcázar de Madrid, guardados en sus cajas, desde donde se trasladaron, en fecha posterior, a La Granja de San Ildefonso, lugar donde se citan a la muerte de Felipe V, conservados en la llamada Casa de las Alhajas. En 1778 se depositaron, por real orden de Carlos III, en el Real Gabinete de Historia Natural y continuaron en la institución hasta el saqueo de las tropas francesas en 1813. La devolución de las piezas se produjo dos años más tarde y con algunas pérdidas. Fue en 1839 cuando la colección llega al Real Museo, donde sufrió en 1918 un robo. Con ocasión de la Guerra Civil española fueron enviadas a Suiza regresando en 1939, con la pérdida de un vaso, desde entonces se encuentran expuestas en el edificio Villanueva.

Foto: Miguel Moliné. Localización: Auschwitz-Birkenau (Polonia). - Fecha: 5 de septiembre de 2015 - Cámara: Nikon D80 - Distancia focal (DX): 18 mm - Diafragma: f/8 - Velocidad de obturación: 1/80s - Sensibilidad ISO: 200.
Foto: Miguel Moliné. Localización: Auschwitz-Birkenau (Polonia). - Fecha: 5 de septiembre de 2015 - Cámara: Nikon D80 - Distancia focal (DX): 18 mm - Diafragma: f/8 - Velocidad de obturación: 1/80s - Sensibilidad ISO: 200.

Cientos de miles de judíos llegaban en vagones como el de la imagen a  las mismas puerta de de los crematorios en Auschwitz-Birkenau (en el complejo de campos de concentración de Auschwitz). Hoy en día aún se pueden ver sus ruinas. Muchos de ellos ni siquiera fueron alojados en los barracones sino que, tal y como desembarcaban, eran conducidos a la antesala de los crematorios donde se desnudaban para luego pasar a las «duchas».

Recursos: Auschwitz (Enciclopedia del Holocausto) :: Memorial and Museum Auschwitz-Birkenau (En inglés. En español el documento Auschwitz-Birkenau, historia y presente).

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La BNE digitaliza 600 nuevos libros de Dominio Público

La Biblioteca Nacional de España ha publicado la relación de autores españoles cuya obra pasa a ser de domino público. (autores nacidos en 1942). Este listado – 177 entradas en 2023 - deriva de la información de los catálogos de la BNE, es decir, se trata de autores españoles cuyas obras se encuentran en la Biblioteca Nacional de España.

Al pasar sus obras a dominio público, éstas pueden ser editadas, reproducidas o difundidas públicamente. De una parte de estos autores se hizo una selección de obras que se digitalizaron a lo largo del año 2022 para que estuvieran disponibles a partir de enero de este año en la Biblioteca Digital Hispánica.

Las obras se pueden descargar en tres formatos: PDF, JPEG y TXT (texto no estructurado).

Algunos nombres destacados son:

Miguel Hernández (Orihuela, 1910 - Alicante, 1942). Poeta y dramaturgo de especial relevancia en la literatura española del siglo XX. Apasionado por la lectura, a los 20 años publicó Perito en Lunas (1933). Sus famosas Nanas de la cebolla (1939), que el autor de la Generación del 36 dedicó a su segundo hijo, cierran el Cancionero y romancero de ausencias, el último poemario del autor, escrito en la cárcel, en trozos de papel higiénico desde 1938, y publicado tras su muerte en Buenos Aires, Argentina.

Federico Urales (Reus, 1864- Francia 1942). Político y maestro español, fundó La Revista Blanca gracias a la cual estuvo en contacto con intelectuales de renombre como Leopoldo Alas Clarin, Jacinto Benavente o Unamuno. En 1939 se exilió en Francia, donde falleció en 1942.

Leonor Serrano (Hinojosa de Calatrava, 1890 – Madrid, 1942). Fue inspectora de educación e impulsora del método Montessori, abogada y feminista. Durante la Guerra Civil huyó a Francia y a su vuelta le prohibieron ejercer la docencia.

Ferran Valls i Taberner (Barcelona, 1888- Barcelona, 1942). Abogado, político e historiador español. Diputado provincial en el Parlamento de Cataluña y diputado en las Cortes Republicanas y director del Archivo de la Corona de Aragón.

Marqués de la Vega-Inclán (Valladolid, 1858- Madrid, 1942) interesado por el turismo y gran viajero, fue precursor Comisario Regio de Turismo (Paradores), y polémico mecenas de los museos de El Greco de Toledo y del Romanticismo de Madrid.

Luisa Casagemas Coll (Barcelona, 1873- Madrid, 1942) violinista y compositora catalana, una de las primeras autoras de opera en España, hermana de Carlos Casagemas, pintor amigo de Picasso

Lola Cabello (Málaga, 1905- Castellón de la Plana, 1942) cantaora y cancionista malagueña, debutó en 1920 en Barcelona, actuó en teatros y cines y fue contratada por Radio Barcelona, se trasladó a Madrid y giró por España actuando junto a otros artistas de distintos géneros.

Puedes consultar más información sobre Dominio Público y el listado actualizado en la web de la BNE.

Juan Emilio Naya, un niño de 8 años del pueblo de Villanueva de Sigena, escucha el relato de cuando su abuela era niña y se sentía privilegiada de poder ac­ceder al monasterio. La abuela narra con detalle el glorioso pasado de una sala de incalculable valor artístico, antes de que en 1936, con el inicio de la Guerra Civil, el monasterio se destruyera tras un incendio.

Juan Emilio le prometía que, algún día, restauraría la gloria del monasterio. Han pasado muchos años y Juan, alentado por los recuerdos y la memoria de sus abuelos, decide emprender el mayor proyecto de su vida: reconstruir la Sala Capitu­lar del Monasterio de Sigena. Con algunos recuerdos y escasa documen­tación se inicia un proyecto imposible. Pero, ¿dónde encontrar más información?, ¿qué técnicas utilizar para reproducir la sala con vera­cidad?, ¿qué colores podían dar vida a aquellas pinturas?, ¿cómo debían ser los techos?, y ¿cómo completar aquellas partes que fueron desapareciendo con el paso de los años? Comienza el viaje.

Fuente: https://www.rtve.es/play/videos/somos-documentales/el-sueno-de-sigena/6773252/


Al margen del video propiamente dicho, es increíble que RTVE, un servicio público pagado por todos los españoles, no ofrezca ningún método para compartir los contenidos publicados en su web. Al final, nos obliga a buscar trucos para hallar la URL del video y así poder descargarlo o incrustarlo en nuestro sitio.

Localización: Muro con fragmentos de lápidas en el cementerio de Ramuh (Cracovia, Polonia). - Fecha: 4 de septiembre de 2015 - Cámara: Nikon D80 - Distancia focal (DX): 35 mm - Diafragma: f/9 - Velocidad de obturación: 1/100s - Sensibilidad ISO: 200.
Localización: Muro con fragmentos de lápidas en el cementerio de Ramuh (Cracovia, Polonia). - Fecha: 4 de septiembre de 2015 - Cámara: Nikon D80 - Distancia focal (DX): 35 mm - Diafragma: f/9 - Velocidad de obturación: 1/100s - Sensibilidad ISO: 200.

El Ghetto era una zona de Venecia en el barrio de Cannaregio donde los judíos fueron confinados en 1516 con el fin de separarlos de los cristianos. Con el tiempo, la palabra «ghetto» paso a significar «barrio en el que se confina a los habitantes judíos de una ciudad» y por extensión «barrio o zona en que vive aislada una minoría, normalmente marginada». En castellano, la adaptación gráfica de dicha voz italiana es «gueto».

Durante la II Guerra Mundial, los nazis crearon varios cientos de ellos. El ghetto más grande en Polonia fue el de Varsovia, donde aproximadamente 450.000 judíos fueron hacinados en un área de 3,4 km2. Otros guetos importantes fueron los de Lodz, Krakow (Cracovia), Bialystok, Lvov, Lublin, Vilna, Kovno, Czestochowa, y Minsk.

En Cracovia, los nazis ordenaron en marzo de 1941 la creación de un gueto que se situaría en Podgorze, al sur de Cracovia, en lugar de en Kazimierz, el tradicional barrio judío de la ciudad. Casi 20.000 judíos fueron confinados en él. Muchos de ellos fueron trabajadores de la famosa fábrica de Oskar Schindler (en la actualidad un museo).

En el antiguo barrio judío de Kazimierz aún se encuentra activa la Sinagoga Remuh. Este templo fue edificado en tiempos de Segismundo II (mediados del siglo XVI) y desde entonces ha sufrido numerosas remodelaciones, la última tras la II Guerra Mundial. En su patio interior se encuentra un pequeño cementerio.

Las primeras tumbas del cementerio de Ramuh datan de la primera mitad del siglo XVI y son anteriores a la sinagoga. Fue clausurado en el año 1800 al igual que el resto de cementerios ubicados en el interior de la ciudad. Durante la ocupación nazi fue arrasado y se usó como basurero. Durante su restauración tras la guerra, muchas lápidas no pudieron ser reconstruidas y fueron colocadas en el muro de entrada. La fotografía que encabeza este apunte es justo parte de ese muro.

Anónimo: Cabeza de Antonino Pío, siglo XVIII.Anónimo: Cabeza de Antonino Pío, 1770-1780.
Mármol, 40 x 26 x 29 cm.
Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid (Nº Inventario: E-017).
Procedencia: Westmorland, 1784.


Retrato del emperador romano Tito Aurelio Fulvo Boyonio Antonino (86-161). Fue favorecido durante su carrera por Adriano, que lo adoptó como su heredero el 25 de febrero de 138, tras la muerte de su hijo adoptivo Lucio Elio César, con la condición de que el propio Antonino Pío adoptara a Marco Annio Vero, el hijo de la mujer de su hermano, y a Lucio, hijo de Elio César, que después se convertirían en los emperadores Marco Aurelio y Lucio Vero.

Siguiendo la moda del momento, lleva el cabello y la barba rizados. Si bien la parte posterior de la cabeza y el cuello parecen antiguas (de hacia el año 143), el rostro, labrado en un mármol distinto, es moderno.

En 1783 los franceses apresaron el Westmorland, un barco inglés que venía de Italia llevando una carga de importantes obras de pintura y escultura en mármol y yeso, además de dibujos, libros, estampas, mobiliario, etc. Este conjunto de piezas, proveniente de lo que entonces de denominó la rapiña de los ingleses, fue traído a Madrid por la Sociedad de Lonjistas de la Corte, que lo compró tras el atraco en Málaga del barco apresado. Por Real Orden de 19 de abril de 1784 se adjudicaron a la Academia "con destino a la enseñanza pública", más de medio centenar de cajones, que fueron enviados a la capital en dos remesas. Este busto fue una de las obras llegadas a la Academia por esta vía.

Exposiciones: Catálogo de El Westmorland, recuerdos del Grand Tour.