Fotografía: Miguel Moliné. Localización: Cueva de Altamira (Cantabria, España). Fecha: 26/07/2023. Cámara: Nikon D780 - Distancia focal (FX): 24 mm - Diafragma: f/4 - Velocidad de obturación: 1/25s - Sensibilidad ISO: 200.
Fotografía: Miguel Moliné. Localización: Cueva de Altamira (Cantabria, España). Fecha: 26/07/2023. Cámara: Nikon D780 - Distancia focal (FX): 24 mm - Diafragma: f/4 - Velocidad de obturación: 1/25s - Sensibilidad ISO: 9000.

Como ya va siendo costumbre, llegado el final de curso escolar la nao arriba a puerto. Ya son 23 años surcando estos mares digitales y la nao necesita reparar desperfectos y preparase para la próxima travesía.

Como no podía ser de otra forma, la última fotografía está dedicada al arte que, en cualquiera de sus vertientes, representa ese espíritu creador que nos acompaña desde hace miles de años. En este caso se trata de la representación de un bisonte en la Sala de Polícromos de la Cueva de Altamira (unos 14.000 años a.C.)

¡Feliz verano! ¡Nos vemos en septiembre!

Creedence Clearwater Revival, c1970, con el compositor John Fogerty a la izquierda © Michael Ochs Archives
Creedence Clearwater Revival, c1970, con el compositor John Fogerty a la izquierda © Michael Ochs Archives

Merece la pena recordar lo fácil que es arruinar una canción, especialmente una canción tan sencilla como "Have You Ever Seen the Rain?". Lástima por aquellos que la conocieron por primera vez a través de una de las versiones menos conocidas. Quizás fue la grabación de Johnny Cash, de su álbum Rainbow de 1985. El propio Cash suena como si estuviera cantando desde el interior de una caja y arrojada a un pozo, mientras que la instrumentación es un espantoso tipo de soft rock: las notas de la carátula daban las "gracias especiales al increíble Casio 8000", el sintetizador que el productor Chips Moman utilizó para todo el álbum, y al que nunca se le debería haber permitido acercarse a un disco de Johnny Cash.

O quizá escucharon por primera vez la versión de Bonnie Tyler de 1983 (fue un éxito menor, pero totalmente eclipsado por Total Eclipse of the Heart del mismo año). Otra vez la culpa es del productor, en este caso Jim Steinman, el autor de "Bat Out of Hell" de Meat Loaf. Steinman, un hombre para el que no hay fregadero que valga, lo puso todo en la versión de Tyler: guitarras soft-metal, arpegios de piano, Tyler gritando innecesariamente "¡Sí!" al salir del estribillo. Es atronador y pomposo y totalmente vacío.

La original, escrita por John Fogerty y lanzada por Creedence Clearwater Revival en 1970, no es atronadora, ni pomposa, ni vacía. Fogerty dijo en su autobiografía que la canción trataba de cómo veía a Creedence deshacerse a su alrededor mientras grababan su sexto álbum, Pendulum. Sirve casi como un réquiem para la banda, el último de la serie de increíbles 45 que habían estado publicando desde 1968.

A Fogerty no le gustaba el lenguaje rimbombante y sus letras tenían a menudo un tono ligeramente bíblico, como si contara historias que había oído en la escuela dominical: «Alguien me dijo hace mucho tiempo / Hay una calma antes de la tormenta / Lo sé, hace tiempo que viene». Tampoco le gustaba la música pomposa: Creedence, de Oakland, se tomaba en serio sus obligaciones como banda de obreros declarados, y no para ellos las juergas de expansión mental de sus coetáneos al otro lado de la bahía de San Francisco. Creedence tocaba música americana, no música hippy (en el éxito de la banda de 1969 Fortunate Son, Fogerty despreciaba a los privilegiados pacifistas que podían comprar su salida de Vietnam). Seguir leyendo ...

Fotografía: Miguel Moliné. Localización: Iglesia de Santa Ana en Vilna (Lituania). Fecha: 01/10/2019. Cámara: Nikon D80 - Distancia focal (DX): 18 mm - Diafragma: f/8 - Velocidad de obturación: 1/80s - Sensibilidad ISO: 200.
Fotografía: Miguel Moliné. Localización: Iglesia de Santa Ana en Vilna (Lituania). Fecha: 01/10/2019. Cámara: Nikon D80 - Distancia focal (DX): 18 mm - Diafragma: f/8 - Velocidad de obturación: 1/80s - Sensibilidad ISO: 200.

Los vilneses suelen utilizar el diminutivo Vilnelė para nominar al río que atraviesa el centro de su ciudad. Su nombre oficial es Vilna y recorre 80 Km. antes de unir sus aguas con las del Neris en la capital de Lituania a la que da nombre, al pie de la colina del castillo de Gediminas.

El paseo por sus orillas es particularmente agradable en otoño, cuando las hojas rojas de los árboles se confunden con las tejas del mismo color que cubren los tejados de los edificios del centro histórico de Vilna. Las veredas transcurren sinuosas acompañando al rio en su discurrir. A su vera se levantaron iglesias como la ortodoxa de la Theotokos (Madre de Dios), de la que hablábamos la semana pasada, o la católica de Santa Ana, de estilo gótico, y en algunos puntos del recorrido nos encontramos con muros de piedra convertidos en paredes de museos o puentes adornados de forma algo estrambótica.

Niccolò di Giovanni Fiorentino (Florencia, 1418 - 1506) Madonna Cernazai, 1480-1490.Niccolò di Giovanni Fiorentino (Florencia, 1418 - 1506): Madonna Cernazai, 1480-1490.
Altorrelieve en piedra.
Dimensiones: altura = 84,50 cm; anchura = 60 cm; profundidad = 16,50 cm; Peso = 108 Kg.
Museo Museo Lázaro Galdiano (Inventario 02734).


En un artículo del año 1993, Stanko Kokole analizaba la evolución artística de Niccolò di Giovanni Fiorentino, escultor y arquitecto que trabajó principalmente en Dalmacia, a través de sus relieves dedicados al tema de la Madonna.

Partiendo de las características formales presentes en la Madonna de la iglesia de los Franciscanos de Hvar (Lesina) y en otro ejemplar de la iglesia homónima de Orebic, cerca de Duvrovnik (Ragusa), Kokole atribuía a este importante escultor florentino otras dos obras: La Virgen con el Niño del Palacio de Rosselli del Turco, en Florencia, y la conocida como Madonna Cernazai, de la cual afirmaba que su paradero actual era desconocido, ilustrándola en su artículo con una vieja fotografía de la Fototeca Berenson de la Villa I Tatti de Florencia. Dicho relieve no es otro que el del Museo Lázaro Galdiano.

Las razones expuestas por Kokole son más que suficientes para atribuir el relieve a Niccolò di Giovanni Fiorentino, poseedor de un estilo personal estimulado por Donatello y Michelozzo. Especialmente, una comparación con la Addolorata de la Capilla del Beato Orsini en la Catedral de Trogir (Traù) o con el relieve de la Coronación de la Virgen de esa misma capilla, muestra que la Madonna Cernazai fue ejecutada por el mismo maestro. La estrecha relación que guarda con aquéllas sugiere para esta última una fecha de hacia 1480-1490, siendo sin duda una de las obras maestras de la madurez del artista.

Descripción de la obra:

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Figuras silueteadas digitalmente de la cara frontal de la placa de pizarra tallada del siglo VI-V a.C hallada en el yacimiento tartésico Casas del Turuñuelo. E. Rodríguez / M. Luque / CSICLos trabajos arqueológicos desarrollados durante la VI Campaña de Excavaciones en el yacimiento arqueológico de Casas del Turuñuelo, en Guareña (Badajoz), han desvelado, entre el numeroso material recuperado, una placa de pizarra de unos 20 centímetros grabada en sus dos caras donde pueden identificarse varios motivos. En ella se combinan ejercicios de dibujo con la repetición continuada de rostros o figuras geométricas y una escena de combate en la que interactúan tres personajes.

Los primeros indicios apuntan a que esta pieza única en la arqueología peninsular serviría de apoyo al artesano a la hora de grabar motivos en piezas de oro, marfil o madera. La nueva campaña ha permitido, además, descubrir la ubicación de la puerta este que da acceso a la Estancia de las gradas, excavada en 2023 y conocida por el hallazgo de los primeros relieves figurados de Tarteso (Seguir leyendo en Investigadores del CSIC hallan escenas de guerreros de los siglos VI-V a.C.).

Más información recogida en esta bitácora: Tarteso: Casas del Turuñuelo y Los rostros humanos de las divinidades tartésicas.

Rick James en Los Ángeles, 1981 © Elisa LeonelliShutterstock
Rick James en Los Ángeles, 1981 © Elisa LeonelliShutterstock

Rick James, que grabó su quinto álbum de estudio a finales de 1980, echó una cana al aire con un tema que celebraba a «una chica muy especial», de las que «no se llevan a casa a la madre». Con 15 años de brillante carrera y una adicción a las drogas concomitante, James no era de los que se resistían a experimentar. Tras grabar para Motown y trabajar con Crosby, Stills, Nash & Young en los años 60, había publicado cuatro álbumes de éxito en solitario en la década siguiente, y había llevado de gira a Prince para que calentara el escenario a principios de ese año (lo que desencadenó una enemistad de por vida).

Su teclista, Levi Ruffin, recuerda que se metió en el estudio, «con los laboratorios químicos a nuestro alrededor», para dar un giro cómico a las dos pasiones de James: las mujeres pervertidas y la música clásica. «Le puse una estructura vocal muy operística porque me gusta mucho la ópera», dijo James a la revista Musician. «Probablemente se oiga mucho de eso en mi música». Es posible que los millones de personas que compraron, samplearon o versionaron «Super Freak» no se dieran cuenta de la alusión. Pero, como era de esperar, una decisión imprudente y desenfrenada acompañaría al cantante el resto de su vida. Le valió a James su único Grammy, fue objeto de un pleito y se mencionó en Funk the Erotic: Transaesthetics and Black Sexual Cultures, un texto clave en el corpus académico de la «funkology», un discurso sociológico sobre raza y género.

Haciendo el tonto en busca de «algo que los blancos pudieran bailar», el titán del «punk funk» y su Stone City Band trabajaron en torno a una letra improvisada, cuyo primer borrador resultó demasiado obsceno para la radio. Con su instantáneamente reconocible línea de bajo y sus fantasmales punteos en el sintetizador Oberheim OB-Xa, la canción tenía el sello de un éxito en sus primeros compases.

Y lo que es mejor, las alegres reflexiones de James sobre «incienso, vino y velas», y sus chirriantes balbuceos de «ménage à trois, ooh, la, la!», contaron con el respaldo de sus compañeros The Temptations del sello Motown  y con un solo de saxofón de Danny LeMelle. La fusión de funk, ritmos disco y orquestación new-wave dio lugar a un tema crossover monstruoso, que vendió más de un millón de copias como sencillo tras su lanzamiento en 1981 y obtuvo una nominación a los Grammy de 1982 a la Mejor Interpretación Vocal Masculina de Rock.

A pesar de este éxito, el vídeo de «Super Freak» fue rechazado inicialmente por la MTV, lo que lanzó a James a una cruzada contra la escasez de artistas negros en la cadena, de la que se hizo eco David Bowie en una entrevista concedida a la MTV en 1982; ese mismo año, «Beat It» de Michael Jackson contribuyó a acabar con lo que se había dado en llamar «apartheid cultural». Seguir leyendo ...

Fotografía: Miguel Moliné. Localización: Catedral de la Theotokos (Madre de Dios) de Vilna (Lituania). Fecha: 01/10/2019. Cámara: Nikon D80 - Distancia focal (DX): 18 mm - Diafragma: f/9 - Velocidad de obturación: 1/160s - Sensibilidad ISO: 200.
Fotografía: Miguel Moliné. Localización: Catedral de la Theotokos (Madre de Dios) de Vilna (Lituania). Fecha: 01/10/2019. Cámara: Nikon D80 - Distancia focal (DX): 18 mm - Diafragma: f/9 - Velocidad de obturación: 1/160s - Sensibilidad ISO: 200.

La Catedral de la Theotokos (Madre de Dios) de Vilna (Lituania) fue construida durante el reinado del Gran Duque de Lituania Algirdas para su segunda esposa ortodoxa Uliana de Tver, finalizando las obras en 1348. Se levantó, por tanto, antes de la cristianización de Lituania, cuando el Gran Ducado de Lituania era el último estado pagano de Europa. La iglesia está situada en una pintoresca orilla del río Vilnelė, junto a la iglesia de Santa Ana y el complejo Bernardino, construidos posteriormente.

Tras la conversión de Lituania al catolicismo romano, la catedral ortodoxa fue protegida por los príncipes Konstanty Ostrogski y Konstanty Wasyl Ostrogski, que la restauraron tras el derrumbe de la cúpula en 1506. Tras su muerte, la iglesia católica uniata se hizo cargo de la catedral en 1609 y fue reconstruida en un típico estilo de la región.

No fue la única reforma acometida en la Catedral porque a lo largo de su historia fue destruida o abandonada en varias ocasiones:

En 1748, la catedral fue abandonada tras un gran incendio y el edificio se utilizó para otros fines. En 1785 se reconstruyó en estilo barroco. La catedral fue destruida de nuevo por el ejército ruso durante el levantamiento de Kościuszko.

En 1808, un prelado local vendió el edificio abandonado a la Universidad de Vilna, que lo modernizó en 1822 en estilo neoclásico por Karol Podczaszyński. Después, el edificio albergó un aniteatro anatómico, una biblioteca y otras instalaciones universitarias durante medio siglo.

La antigua catedral fue confiscada y transferida a la Iglesia Ortodoxa Rusa por iniciativa del conde Mijaíl Nikoláievich Muraviov y su hermano durante la campaña de rusificación. El arquitecto ruso Nikolai Chagin se encargó de su reconstrucción desde 1865 hasta 1868 en un estilo que imitaba la arquitectura georgiana medieval.

La catedral sufrió daños durante la Segunda Guerra Mundial, pero fue restaurada en 1948, aunque sus reformas no concluyeron hasta 1957. En la actualidad, pertenece a la Iglesia Ortodoxa Rusa y fue renovada de nuevo en 1998. Hoy luce espléndida.

 

Maerten van Heemskerck (Heemskerck, 1498 - Haarlem, 1574): Retrato de una dama hilando, hacia 1531.Maerten van Heemskerck (Heemskerck, 1498 - Haarlem, 1574): Retrato de una dama hilando, hacia 1531.
Óleo sobre tabla. 105 x 86 cm
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid
Nº INV. 183 (1969.14)


Maerten van Heemskerck fue un pintor, diseñador de grabados y dibujante, activo durante el siglo XVI. Viajó a Italia donde pudo estudiar los frescos de Rafael y Miguel Ángel, cuyo influjo se refleja en las obras que realizó posteriormente. También realizó dibujos de esculturas, ruinas clásicas y vistas de ciudades y su obra alcanzó una gran difusión gracias a los grabados. Este retrato de una joven hilando es una de las mejores obras de su primera época, aunque no es la única en su producción que aborda este tema. En algunos casos la mujer se muestra acompañada de un joven o de un niño que le ofrece vino o una manzana para tentarla, ante lo que ella permanece impasible, encarnando así a la mujer virtuosa. En esta tabla, la dama aparece en primer plano ocupando toda la superficie del cuadro. Llama la atención la elaborada rueca con la que trabaja y su indumentaria, con pocos y sobrios colores, que destacan por contraste con la austeridad de la habitación en la que se instala la figura. Los únicos elementos que ornamentan la estancia son una cesta de labor, una devanadera de madejas y un escudo colgados de la pared. Se ha intentado identificar a la retratada con la esposa de un miembro del Concejo de Haarlem, ciudad donde residió el pintor, así como con algún miembro de las familias importantes de la ciudad, aunque sin éxito.

Durante el siglo XVI la pintura en los Países Bajos experimentó una transformación en el curso de la cual se fueron abandonando los esquemas piadosos e intimistas de los primitivos flamencos, cuya estética había llenado brillantemente el siglo XV. Al igual que otros centros artísticos, Flandes importó, en esta centuria, patrones renacentistas italianos, y la pintura fue incorporando gradualmente motivos de la nueva corriente estética. Dentro de este panorama, hubo artistas que lograron conciliar las aportaciones italianas con sus esquemas tradicionales, mientras que otros, al añadir a sus obras lo más epidérmico del nuevo estilo, dieron lugar a una corriente original.

Este retrato fue adquirido por el barón Hans Heinrich Thyssen- Bornemisza en 1970. Con anterioridad había pertenecido a la colección del Earl of Caledon, County Tyrone, en Irlanda del Norte, donde estaba por 1915. De allí pasó a Pinakos, Nueva York, y a Londres, a Agnew´s Gallery, último propietario hasta formar parte de la colección atesorada en Villa Favorita, Lugano.

Heemskerck trabajó con Jan van Scorel, pintor que había visitado Italia y estudiado la obra de Rafael, Miguel Ángel y los venecianos. El influjo de su maestro sobre Heemskerck fue profundo en esa etapa, lo que explica que nuestra pintura estuviera en un principio atribuida a Scorel. Fechada generalmente hacia 1531, antes del viaje del pintor a Italia, el óleo ha sido comparado con el de Anna Codde, en el Rijksmuseum de Amsterdam, datado en 1529 y en el que Heemskerck figuró también a su retratada hilando en un interior. En esta tabla el artista situó en primer plano una delicada y artística rueca en cuyo manejo está atareada la mujer. El entorno es un sobrio interior de paredes desnudas, donde cuelga, al fondo, un cestillo de labor del que asoman unas tijeras, y a la izquierda una devanadera de madejas. La figura está tratada con volumetría y plasticidad, y tanto su rostro como sus manos se modelan con una viva luz. Van Heemskerck ha utilizado en la construcción de esta mujer pocos colores, que cubren grandes superficies de su indumentaria, como es el caso del blanco, empleado para unas generosas mangas, la cofia y la camisa, el verde del delantal y el negro del corpiño, que contrasta con su forro rojo. La riqueza y el detalle que el pintor desarrolla tanto en la figura como en el objeto en el que está trabajando la mujer, así como en las texturas de los distintos materiales, contrastan intensamente con el desnudo interior.

Se ha pensado que la pintura pudo formar pareja con una segunda tabla en la que estaría representado el esposo de la dama, siguiendo el mismo modelo que el artista estableció para su célebre retrato de Anna Codde, que tiene como pareja el de su marido, Peter Bicker. El hecho de que se haya representado a la mujer trabajando en un interior doméstico como una virtuosa ama de casa se ha relacionado con el proverbio titulado «Elogio de la mujer fuerte», en el que se ensalzan las virtudes de la buena esposa. La imagen de la mujer con su rueca hilando fue una referencia recurrente en el arte holandés, para resaltar la honestidad y castidad de las esposas frente a las tentaciones. Es en esta línea en la que hay que interpretar un grabado del Musée du Louvre en el que un niño, sentado en el suelo, ofrece una manzana, símbolo del pecado original, a una dama concentrada en una rueca que no le presta ninguna atención. Más evidente resulta esta simbología en el cuadro de Pieter Pietersz. del Rijksmuseum de Amsterdam, fechado hacia 1570, en el que una muchacha, con el huso y la devanadera, hace caso omiso del joven sentado a su lado que intenta seducirla ofreciéndole una jarra de vino. Esta joven, imperturbable ante los halagos y atenciones del caballero dirige una mirada grave al espectador.

Se ha intentado identificar al personaje de esta tabla con la mujer de Pieter Jan Foppeszoon, miembro del Concejo de Haarlem, que está representada en un retrato familiar con su marido y sus hijos, pero la propuesta no ha tenido éxito. El escudo que aparece al fondo a la derecha, así como la elegante y cuidada indumentaria de la dama, con delicados detalles como los botones, el cuello de la camisa y los remates de los cordones en la cintura, han llevado a pensar que podría tratarse de un miembro de las hacendadas familias Van Dordt, Van Voerst o Van Voorst. La pintura se ha considerado una de las obras más monumentales y armoniosas de la primera etapa de Heemskerck.

Mar Borobia

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10. Orden Mundial: How to prevent a new age of imperialism. Yuval Noah Harari is a historian, philosopher and author of Sapiens, Homo Deus and the children’s series Unstoppable Us. He is a lecturer in the Hebrew University of Jerusalem’s history department and co-founder of Sapienship, a social-impact company.