The Nippon Foundation-Nekton Ocean Census, el mayor esfuerzo de colaboración del mundo para acelerar el descubrimiento de la vida marina, anunció hace pocas semanas el hallazgo de 866 nuevas especies marinas. Se trata de un paso significativo en el avance de nuestra comprensión de la biodiversidad oceánica, y se espera que los descubrimientos aumenten a medida que continúe el programa.
La identificación y registro oficial de una nueva especie puede llevar hasta 13,5 años, lo que significa que algunas especies pueden extinguirse antes incluso de ser documentadas. Para hacer frente a esta situación, la Fundación Nippon y Nekton lanzaron conjuntamente el Censo Oceánico en abril de 2023 con el fin de transformar el descubrimiento de especies, acelerando la identificación de la vida marina para cerrar lagunas de conocimiento críticas antes de que sea demasiado tarde.
Tres de los descubrimientos notables son:
Tiburón guitarra: identificado a unos 200 m de profundidad frente a Mozambique y Tanzania por el experto en tiburones de fama mundial David Ebert, también conocido como el «Tipo de los tiburones perdidos» (galardonado con el Premio al Descubrimiento de Especies del Censo Oceánico). Se trata de la 38ª especie de tiburón guitarra conocida en todo el mundo, un grupo tan amenazado que dos tercios de sus especies están amenazadas.
Turridrupa magnifica: gasterópodo marino descubierto a 200-500 m de profundidad frente a Nueva Caledonia y Vanuatu por el Dr. Peter Stahlschmidt (Universidad de Landau, Alemania). Los gasterópodos turridae poseen «arpones» venenosos que utilizan para capturar presas y producen péptidos con aplicaciones potenciales en el alivio del dolor y el tratamiento del cáncer. Un fármaco utilizado para tratar el dolor crónico se desarrolló originalmente a partir de una familia de caracoles emparentada, lo que subraya la promesa biotecnológica de la nueva vida oceánica.
Nuevo octocoral: hallado en las Maldivas por Aishath Sarah Hashim & Aminath Nasath Shanaan (Instituto de Investigación Marina de las Maldivas) y Asako K Matsumoto (Instituto de Tecnología de Chiba; Museo Universitario de la Universidad de Tokio). Sólo se conocen 5 especies de este género. Además, se trata del primer género registrado en las Maldivas, lo que pone de relieve la diversidad aún por descubrir. Los octocorales proporcionan un hábitat esencial para la vida marina y desempeñan un papel clave en la estabilidad de los arrecifes y el ciclo de los nutrientes.
Nuestra historia comienza en 1970, cuando David Bowie buscaba una identidad, una «voz» creativa. Tras las fantasiosas y en gran parte acústicas del álbum homónimo de 1969, se adentró en un nuevo lenguaje: el rock duro. Las sesiones de lo que se convertiría en su álbum The Man Who Sold the World contaron con Bowie y un trío principal: el nuevo guitarrista Mick Ronson y el batería Woody Woodmansey, con el productor Tony Visconti al bajo. Temas como «The Width of a Circle» y «She Shook Me Cold» tenían un aire salvaje, reflejo de su surgimiento de la improvisación.
La canción que daba título al álbum era una cosa extraña con un riff de guitarra circular, el insistente sonido de un güiro y un final inquietante con un «coro» onírico sin palabras (Bowie, Ronson y Visconti). Las voces, por su parte, reflejaban el gran cambio vocálico de Bowie en aquella época: «I gayzed a gayzely stayre». En medio de todo el ruido y el estruendo, «The Man Who Sold the World» actuaba como una especie de respiro, algo fantasmal y a la deriva, un tema destacado del álbum y el único con el que Bowie persistió a largo plazo.
El álbum se vendió mal en su lanzamiento (con dos carátulas diferentes: una caricatura pop-art para EE.UU. en 1970 y Bowie con un vestido para hombre en el Reino Unido en 1971). Pero tras el gran éxito de Bowie en 1972 con su álbum Ziggy Stardust, los fans se quedaron con ganas de más y The Man Who Sold the World se reeditó ese mismo año.
Bowie volvió a la canción en 1973 cuando, durante las sesiones de su álbum de versiones Pin Ups, supervisó la versión publicada por la cantante escocesa Lulu. Para ello, Bowie conjuró un nuevo elemento: un riff de saxo, tocado por el propio Bowie, que hacía de puente entre el estribillo y la estrofa. Se rodó un vídeo con Lulu vestida con un elegante y andrógino traje y sombrero al estilo de Weimar; el tema confería un aire artístico a una cantante que hasta entonces había sido conocida como una incondicional del entretenimiento ligero.
Las versiones que siguieron canalizaron la calidad sobrenatural del tema. En 1982, Midge Ure, líder de Ultravox, la grabó para la banda sonora de la película Party Party; Ure utilizó la versión de Lulu como plantilla, replicando el riff de saxo con un sintetizador de sonido etéreo.
Una década más tarde, Nirvana la incluyó en su MTV Unplugged de 1993, una lectura bastante directa de una canción que encajaba perfectamente con el sentimiento de alienación que rondaba la música del grupo. (En años posteriores, algunos asistentes a conciertos de Bowie asumieron que era una canción de Cobain, lo que le irritó enormemente). En 2016, con Bowie y Cobain muertos, Beck la cantó en los Grammy junto a los ex miembros de Nirvana Dave Grohl y Krist Novoselic, presentándola así: «Esto es por dos genios que ya no están con nosotros».
Es una canción que se beneficia de una sensación de distanciamiento frío, y Suzanne Vega le aportó exactamente esta cualidad en un concierto de homenaje a Bowie en Dublín en 2021, respaldada por la antigua banda de Bowie y la Orquesta RTÉ.
Mientras tanto, el propio Bowie seguía volviendo a él. En 1979, en una actuación surrealista en Saturday Night Live, el cantante fue llevado a la parte delantera del escenario con un esmoquin gigante de plástico con una pajarita de gran tamaño, un atuendo dadaísta inspirado en un traje diseñado para una obra de teatro de 1921, The Gas Heart. Muy Bowie. La canción tenía un ritmo más saltarín y contaba con los chillones coros del contratenor alemán Klaus Nomi, maquillado de blanco.
A mediados de los noventa, Bowie le dio un giro radical con su nuevo métier favorito, una mezcla de trip-hop y jungle. Durante un tiempo, ésta se convirtió en la versión «estándar», que tocó durante su gira mundial Outside. En 2020 vieron la luz dos grabaciones opuestas de este periodo. Un EP, Is It Any Wonder?, contenía una versión de 1995, en el estilo jungly-trip-hop, embellecida por Brian Eno: añadió un «blip» de sonar, coros y, como él dijo, la «esculpió». Otra versión, publicada en el álbum Changesnowbowie, también de mediados de los 90, era más fiel al original, con el guitarrista Reeves Gabrels al sitar eléctrico.
En años posteriores, Bowie se acercó más al original: en su actuación de Glastonbury en 2000, y durante su última gira A Reality de 2003-4 («Todavía me gusta mucho esta canción, la he tocado durante años y años», dijo a la multitud en Dublín), recuperó el riff circular, el ritmo constante y el coro fantasmal.
Pero, ¿de qué trata? La letra se inspiró posiblemente en el poema espectral de Hughes Mearns, «Antigonish»: «Ayer en la escalera conocí a un hombre que no estaba allí». Pero en su canción es Bowie quien no está.
El viaje creativo de Bowie reflejaba su cambiante sentido del yo, adoptando y desechando identidades y personalidades, y «The Man Who Sold the World» encaja en ese patrón. Como declaró a BBC Radio 1 en 1997: «Supongo que la escribí porque había una parte de mí mismo que estaba buscando... Tienes esa gran búsqueda, esa gran necesidad de averiguar quién eres realmente».
El Beso (Bosque de Osma). Fotografía: Miguel Moliné.
El Bosque nos da la bienvenida con un beso. A medida que avanzamos entre ellos los árboles se atraen, se acercan entre sí, se juntan y lanzan un beso. El Bosque, un lugar mágico, donde las imágenes aparecen y desaparecen, donde el artista nos sorprende una y otra vez, donde los árboles dialogan y nos incitan a la búsqueda, esperando nuestras preguntas, para mostrarnos sus respuestas.
Juan Sánchez Cotán (Orgaz, Toledo, 1560 – Granada, 1627): La huida a Egipto.
Esta pintura pudo haber sido realizada en la etapa toledana del artista, antes de su partida a Granada en 1603.
Técnica: óleo sobre lienzo, 127,5 x 106,5 cm.
Fundación María Cristina Masaveu Peterson.
Ambientada en un paisaje flamenco, la escena representa un momento de la huida a Egipto, episodio mencionado en el Nuevo Testamento (Mateo, 2: 13-15) y completado después por los apócrifos y varios relatos medievales, como la Vita Christi, que aportaron datos anecdóticos sobre el viaje que contribuyeron a crear una rica y variada iconografía.
Muestra a la Virgen y el Niño sentados en el asno y a san José detrás de ellos, a pie, con cantimplora y portando los instrumentos de carpintero sobre sus hombros. Van acompañados por unos ángeles, que ofrecen dátiles a Jesús y coronan a la Virgen con una corona de flores. Las figuras, inspiradas por la pintura del genovés afincado en España Luca Cambiaso (1527-1585), destacan por su monumentalidad escultural, el empleo de un marcado dibujo y sus vivos colores, rasgos que dotan a los personajes de una gran fuerza y presencia. Todo ello, unido al candor con el que se representa el tema, son aspectos habituales en la pintura de este artista y explican su gran éxito y popularidad en el contexto intelectual y religioso del Toledo de finales del siglo XVI.
La obra perteneció al convento de las Madres Bernardas del Santísimo Sacramento de Madrid hasta 1968-70, fecha en que fue vendida. Tras pasar por manos privadas reapareció a mediados de los años ochenta en una colección particular malagueña, en la que permaneció hasta su reciente adquisición por la Fundación María Cristina Masaveu Peterson en Ansorena Subastas en abril de 2022.
Vendimia de uvas moscatel en la ladera de Montaña Diama, Finca La Geria, propiedad de la Familia Hernández desde hace al menos cinco generaciones. Lanzarote, España.
Desde que comenzó la domesticación de las plantas hace unos 11.000 años, el ser humano ha convertido el 40% de la superficie terrestre en tierras de cultivo. Se calcula que la población mundial alcanzará los 9.700 millones de habitantes en 2050, lo que, unido al aumento del nivel de vida en los países en vías de desarrollo, nos obligará a aumentar el suministro mundial de alimentos en un 60%.
El proyecto Feed the Planet es un análisis de cómo el mundo puede hacer frente al reto en rápida expansión de alimentar a la humanidad sin poner más tierras naturales bajo el arado. La mayoría de nosotros sólo tenemos contacto con alimentos crudos en el supermercado, y desconocemos los métodos utilizados para cultivarlos. En muchos casos, la industria alimentaria hace todo lo posible para evitar que veamos cómo se producen nuestros alimentos. El acceso a esta información es fundamental para las decisiones personales que tomamos sobre lo que comemos, que en conjunto tienen un enorme impacto medioambiental. Este proyecto pretende mostrar cómo se producen nuestros alimentos, para que podamos tomar decisiones con más conocimiento de causa.
Puede que «You Are My Sunshine» sea la canción más versátil de la historia. En los 86 años transcurridos desde que se grabó por primera vez, ha sido un tema habitual de la música country, una canción de cuna para niños, un tema de soul-gospel, una lamentable ensoñación de una lagartija de salón, un tema de campaña política, un cántico en una terraza de fútbol («You are my City, my only City...»), una recaudación de fondos para el NHS británico y la canción oficial del estado de Luisiana. Ha ganado un Grammy y figura en la lista de canciones del siglo XX de la Recording Industry of America.
No está claro quién la escribió. Aunque en los créditos de las grabaciones suele figurar como autoría de Jimmie Davis y Charles Mitchell, esto se debe únicamente a que fueron ellos quienes registraron los derechos de autor y la publicaron en 1940. La primera grabación corrió a cargo de los Pine Ridge Boys en 1939, y llama la atención lo triste que era la canción, sobre todo para haberse convertido en una de las favoritas de los niños. Esas armonías de los Apalaches, agudas y a dos voces, pueden hacer que cualquier cosa suene triste, por supuesto, pero la letra no ofrece consuelo: «Siempre te he querido y te he hecho feliz/Y nada más podía interponerse/Pero ahora me has dejado, para amar a otro/Has destrozado todos mis sueños».
Jimmie Davis grabó —y registró— la canción en 1940 en una versión mucho más alegre, con el apoyo de la orquesta de Charles Mitchell y repleta de solos de clarinete. Y aquí comenzó el camino de la canción hacia la inmortalidad. No contento con ser un cantante popular en todo el país, Davis tenía ambiciones políticas y se presentó a gobernador de Luisiana en 1944, utilizando la canción como tema de su campaña (solía acudir a los mítines montado en un caballo llamado Sunshine). Tras ganar las elecciones, abandonó muchas de sus obligaciones como gobernador para dedicarse a actuar en óperas de Hollywood y a seguir grabando, y fue apodado «El Gobernador Cantante» (en honor a Davis, «You Are My Sunshine» fue nombrada una de las dos canciones oficiales del estado en 1977).
«You Are My Sunshine» fue un gran éxito, y no sólo para Davis. También en 1940, Bob Atcher y Bonnie Blue Eyes alcanzaron el número uno en la lista Hillbilly de Billboard, mientras que Wayne King y su Orquesta hicieron la primera versión que llegó a las listas pop, convirtiéndola en una canción bailable para big-band. Dos grandes estrellas la grabaron en 1941. Gene Autry, «The Singing Cowboy», estuvo 50 semanas en las listas con su versión, mientras que Bing Crosby le aportó su rico croon (un crooner bastante diferente, Bryan Ferry, la abordó en 1974).
En los años sesenta, esta canción country tan melancólica empezó a traspasar fronteras. Ray Charles grabó una versión en 1962, e Ike y Tina Turner la incluyeron en su álbum en directo de 1964 (también la incluyeron en Nutbush City Limits, de 1973, pero la versión en directo es la mejor. Es como una avalancha).
La versión más extraordinaria es la de Aretha Franklin, en 1967, en Aretha Arrives, el segundo de sus álbumes clásicos para Atlantic. Comienza con casi dos minutos de rapsodia gospel antes de que la banda entre en acción y Aretha elija una melodía que no se parece en nada a la original. Es desesperante y emocionante.
Su familiaridad y la facilidad de su melodía la convirtieron en una canción para niños. Decenas de álbumes infantiles la incluyeron, y dos estrellas adultas —Nick Lachey y Christina Perri— la grabaron cuando, tras tener sus propios hijos, decidieron que otros padres necesitaban beneficiarse de las canciones que ellos cantaban a sus hijos. Con ese espíritu, el director de coros de la televisión británica Gareth Malone reunió a 11.000 cantantes aficionados para una grabación benéfica durante la pandemia de Covid. Todo un mérito por la intención, pero no es un disco muy bueno.
Pero la canción nunca salió realmente de las montañas. Casi al final de su carrera, y con la muerte próxima, Johnny Cash la grabó con la producción de Rick Rubin, en una versión publicada en su álbum póstumo Unearthed. Su voz es grave e imponente, acompañada únicamente por una guitarra acústica. Es difícil no oír en su voz las tribulaciones de su largo matrimonio con June Carter Cash, pero también su dolorosa necesidad de ella.
Y, por último, el dúo folk-country The Civil Wars le dio una vuelta en 2011. La transpusieron a un tono menor y la convirtieron en un dueto fantasmagórico y embrujado (que es, para ser justos, su modus operandi). Al hacerlo, volvieron a convertirla en una canción sobre alguien consumido por la pérdida. Era anhelante, desesperada y totalmente inadecuada para los niños.
The paperback edition of ‘The Life of a Song: The stories behind 100 of the world's best-loved songs’, edited by David Cheal and Jan Dalley, is published by Chambers. Music credits: Master Classics; Stardom; Dynamic; Acrobat; M.A.T. Music Theme Licensing; Bold As Brass; Virgin; Tangerine/Ray Charles Foundation; Warner; Rhino/Atlantic; Somerset Group; Elektra/Warner; Universal; American Recordings; Sensibility Records/The Civil Wars/Sony.
Henry Moore: Large Figure in a Shelter. Fotografía: Miguel Moliné
En 1990, la obra Large Figure in a Shelter(Gran figura en el refugio) del escultor británico Henry Moore quedó ubicada a pocos metros del conjunto escultórico de Eduardo Chillida «Gure aitaren etxean» (En la casa de nuestro padre), muy cerca de la Casa de Juntas de Gernika y del Parque de los Pueblos de Europa. La escultura fue creada entre entre los años 1985 y 1986, pocos meses antes de la muerte de su creador, está realizada en bronce, tiene una altura superior a los siete metros y pesa unos 20.000 kilogramos.
Costó 600 millones de pesetas de la época, un precio muy alto debido al tamaño de la obra (casi tres veces mayor que las esculturas consideradas como referencias más significativas de Moore), porque sólo existen sólo dos ejemplares, cuando la edición media de las esculturas del artista británico es de siete a nueve piezas.
El escultor plasma en esta obra, que forma parte de la serie «War Helmets», una figura envuelta en otra, la vuelta al instinto básico de la persona que trata de buscar siempre un refugio. En ella el autor nos trasmite un mensaje positivo: refleja la vida en libertad del ser humano sin estar supeditado a la fuerza militar y las armas.
Gonzalo Bilbao Martínez (Sevilla, 1860 - Madrid, 1938): Las Cigarreras, 1915.
Óleo sobre lienzo, 305 x 402 cm.
Museo Museo de Bellas Artes de Sevilla (CE0349P).
Con esta obra, Gonzalo Bilbao rinde homenaje a las cigarreras sevillanas, cuya figura se idealiza a lo largo del siglo XIX a través de la literatura y de la ópera. Capta, siguiendo la estética costumbrista sevillana, la dura realidad social de muchas mujeres de principios del siglo XX. En la Real Fábrica de Tabacos de Sevilla se organiza una cadena de producción en la que cada grupo de mujeres realiza una de las fases de realización del cigarro y el puro. Paralelamente, la mujer simultaneaba el trabajo como madre representado en la escena del amamantamiento rodeada de la solidaridad de sus compañeras. Sin embargo, y a pesar de las dificultades, la escena se aleja de cualquier rasgo de dramatismo o dureza.
Realizada en la plenitud de su carrera, el artista otorga un gran protagonismo al grandioso escenario arquitectónico de amplias perspectivas. En el tratamiento de la luz y su incidencia en el espacio y la materia, podemos ver ecos de Las hilanderas de Velázquez.
Se trata del lienzo más conocido y celebrado de Gonzalo Bilbao, hasta el punto de que el no obtener la medalla de honor en la Exposición Nacional de 1915 motivó que el pueblo de Sevilla le organizara un multitudinario homenaje popular en desagravio, al que acudieron muchas de las cigarreras que le sirvieron de modelo.
