Una ventana abierta al mundo artístico, cultural y político
Este Cuaderno de Bitácora forma parte del proyecto educativo y de investigación de la Asociación Cultural sin ánimo de lucro «Almendrón». Se trata de divulgar contenidos en línea relacionados con la Cultura, el Arte y la Ciencia.
Dada Paul y su nieta Odliatemix, de cinco años, se preparan para ir a la iglesia el domingo por la mañana en su casa de Madagascar, el 12 de marzo de 2023. Fotografía: Lee-Ann Olwage.
World Press Photo 2024: La sudafricana Lee-Ann Olwage ha ganado el premio al reportaje gráfico del año 2024 con la serie Valim-babena que pone el foco en la demencia.
La fotógrafa cuenta la historia de Paul Rakotozandriny, "Dada Paul" (91), que padece demencia desde hace 11 años y está al cuidado de su hija Fara Rafaraniriana (41). Durante nueve de esos años, nadie supo que Dada Paul estaba enfermo. Sus diez hijos supusieron que se había «vuelto loco» o atribuyeron los síntomas a un consumo excesivo de alcohol. Sólo su hija Fara notó algo diferente cuando su padre, chófer jubilado, no encontraba el camino a casa después de recogerla un día del trabajo. Nunca había oído hablar de los términos «demencia» o Alzheimer, pero le aconsejaron que se pusiera en contacto con Masoandro Mody, la única organización de Madagascar que ofrece apoyo y formación a los familiares de personas que viven con demencia. La organización le proporcionó los conocimientos y el apoyo que necesitaba para cuidar de Dada Paul.
A medida que aumenta la esperanza de vida, la demencia se está convirtiendo en un problema mundial. Según la Organización Mundial de la Salud, unos 55 millones de personas padecen demencia en todo el mundo, y más del 60% de ellas viven en países de ingresos bajos y medios. En Madagascar, la OMS calcula que unas 40.000 personas viven con Alzheimer. La falta de concienciación pública en torno a la demencia hace que a menudo se estigmatice a las personas que presentan síntomas de pérdida de memoria. Muchos consideran que los síntomas son signos de brujería, posesión demoníaca o «locura».
En cambio, la historia de Fara y Dada Paul ilustra el significado en malgache de valim-babena: el deber de los hijos mayores de ayudar a sus padres. El valim-babena se considera una expresión de amor, el pago de una deuda moral por el cuidado que los padres ponen en la crianza de los hijos. En ese sentido, actúa como una forma de seguridad social. El cuidado de la demencia es compartido por la persona, su familia inmediata y entre generaciones de la comunidad en general.
Cabría esperar que la extraordinaria vida de Gram Parsons eclipsara su música, 50 años después de su muerte y sus extrañas secuelas. Sin embargo, su arte ha hecho que se le recuerde como el fundador del country rock, que unió la música tradicional estadounidense con su vástago rebelde a finales de la década de 1960.
Es imposible separar por completo al hombre de su música, por supuesto, y quizá ninguna otra música refleje ambos aspectos mejor que Hickory Wind, su canción emblemática.
Nacido como Ingram Cecil Connor III en 1946 en el seno de una familia sureña adinerada gracias a un imperio de cítricos, tuvo una infancia traumática. El alcoholismo se transmitió de generación en generación, su padre se quitó la vida cuando Parsons tenía 12 años y a los 18 perdió a su madre envenenada por el alcohol. Mientras tanto, Robert Parsons, un padrastro avaricioso que más tarde se fugó con la niñera de 18 años de la familia, le había cambiado el nombre.
La pasión por la música country le llevó a abandonar los estudios en Harvard en 1966. Su corta y dispersa carrera posterior incluyó su paso por la International Submarine Band, The Byrds, The Flying Burrito Brothers y dos álbumes en solitario, pero ninguno tuvo éxito comercial. Sin embargo, el fondo fiduciario de su familia le permitió disfrutar de una vida de estrella del rock: mujeres hermosas, amistad con Keith Richards, habitaciones de hotel destrozadas, un accidente de moto y una casa destruida por un incendio. Sin embargo, su carrera se vio empañada sobre todo por otra herencia familiar: el alcoholismo, al que añadió la drogadicción.
No obstante, escribió canciones pioneras cantadas con un estilo conmovedor. Ben Fong-Torres, autor de Hickory Wind, una biografía de Parsons, escribió que su visión era «la del country interpretado... con una conciencia de rock and roll», y "canciones que evitarían los clásicos de Nashville de vaqueros borrachos que suspiran por el amor perdido y denuncian sus engaños".
«Hickory Wind» fue coescrita con Bob Buchanan, otro miembro de la Submarine Band. La canción, de tres versos y sin estribillo, es un conmovedor y nostálgico canto a una infancia idílica que Parsons nunca tuvo. Pero también prefigura su autodestrucción: «Empecé siendo más joven en casi todo/Todas las riquezas y placeres, ¿qué más podía ofrecerme la vida?».
Se grabó por primera vez para el álbum Sweetheart of the Rodeo de The Byrds de 1968, para el que Parsons había reorientado a la banda hacia el country. Su voz y su estilo son dolorosamente melancólicos, sobre un fondo empapado de guitarra de pedal y violín. Ese año, The Byrds causaron indignación en el Grand Ole Opry, el templo de la música country tradicional. En lugar de cantar un tema de Merle Haggard para la retransmisión en directo, Parsons ignoró la introducción del presentador y lideró a la banda con «Hickory Wind». La clase dirigente del country montó en cólera.
Joan Baez se percató de su belleza y la grabó un año después, pero desde entonces han sido sobre todo artistas de country-rock y alt-country los que han llevado su antorcha: Emmylou Harris (1979); Chris Hillman, compañero de Parsons Byrd y Burrito Brother (1982); Gillian Welch (1999); y Lucinda Williams (dos grabaciones en directo en 2016). Una grabación de 2013 de The Tuttles, un grupo de bluegrass, presentaba una interpretación divina y un canto asombroso por parte de una Aisha "AJ" Lee de 15 años. Por el contrario, Bob Mould, de Hüsker Dü, y Vic Chesnutt (1993) ofrecieron una versión muy distinta.
La segunda grabación de Parsons de la canción, en 1973 para su segundo álbum en solitario Grievous Angel, es quizá la más conocida. Ya había colaborado con Emmylou Harris en su primer álbum tras descubrir su talento y darse cuenta de lo bien que combinaban sus voces. Sus armonías en los estribillos finales de esta versión —grabada en estudio pero con el ruido del público añadido para que parezca una grabación en directo— son exquisitas. Según Fong-Torres, al escuchar una reproducción de la grabación, Parsons oyó la nota aguda de Harris en el último verso de la canción y le dijo: «Esa nota de ahí te hará famosa». No se equivocaba: los dos álbumes lanzaron su carrera en solitario.
Semanas después, Parsons murió de una sobredosis en el desierto de Joshua Tree, California, que se había convertido en su hogar espiritual y donde había manifestado su deseo de ser incinerado. Su padrastro quería que el cuerpo fuera trasladado en avión a Luisiana y enterrado allí. Pero el road manager de Parsons decidió seguir los deseos del músico. Él y un cómplice robaron el cuerpo en el aeropuerto internacional de Los Ángeles, lo llevaron al desierto y rociaron el ataúd con gasolina antes de prenderle fuego.
El estilo musical de Parsons allanó el camino a artistas de country-rock, desde The Eagles a Poco, Linda Ronstadt, Steve Earle, Wilco y Jason Isbell. Uno de ellos, el cantautor Tom Russell, señaló: «Cuando consideras que Parsons convirtió a [tales] artistas a la música country, y luego consideras los millones de personas a las que llegaron, empiezas a darte cuenta de la importancia de Gram Parsons».
Fotografía: Miguel Moliné. Localización: escultura «Šī Saule – Viņsaule» en el Parque de las canciones populares (Turaida, Letonia). Fecha: 28/09/2019. Cámara: Nikon D80 - Distancia focal (DX): 18 mm - Diafragma: f/7.1 - Velocidad de obturación: 1/60s - Sensibilidad ISO: 200.
Los livos fueron el segundo gran pueblo que conformó Letonia en el pasado, con una cultura antigua y peculiar, así como una rica historia. Su lengua pertenece a la familia de los idiomas ugrofineses. El contacto de esta cultura con la indoeuropea ha dado como resultado la rica herencia cultural de Letonia. Turaida (El jardín de Dios) se encuentra en la parte central de la antigua región de los livos del Gauja y allí se fundó en el año 1988 el museo-reserva de Turaida donde se conserva la historia acaecida en este lugar desde el siglo XI.
La fotografía que acompaña a este texto muestra una de las esculturas del llamado "Parque de las canciones populares". En «Šī Saule – Viņsaule», el escultor incluyó una larga dedicatoria a una canción popular esculpida en espiral desde la parte de arriba hacia el suelo. Esto obliga al espectador de dar vueltas alrededor de ella y convierte su lectura en algo ritual y mágico. El conjunto cuenta con 26 esculturas del artista Indulis Ranka y, como su nombre indica, nos acercan a la historia de las canciones populares letonas que, en gran parte, fueron recopiladas por Krišjānis Barons. Las canciones populares letonas representan la historia de las actitudes de la nación ante la vida, el trabajo y el mundo. Se han transmitido durante siglos de generación en generación, cantadas, lloradas y vividas, convirtiéndose así en un compendio de ideas que no han perdido su significado ni siquiera hoy en día. El trabajo de recopilación de canciones populares letonas comenzó a finales del siglo XVIII, y en la actualidad hay aproximadamente 1.044.000 canciones en los archivos.
Además de este parque, el museo cuenta con la exposición «Los livos del río Gauja en la historia cultural de Letonia», la Iglesia y Colina de la iglesia de Turaida, el Conjunto central de las construcciones del señorío y el Castillo medieval.
La construcción del castillo, que domina todo el paraje, se inició en 1214 siguiendo las instrucciones dadas por el arzobispo de Riga a sus Hermanos de la Espada de Livonia (que pronto se fusionarían con la Orden Teutónica) en el lugar donde anteriormente se encontraba el castillo de madera de los livonianos. Se construyó una fortaleza tipo castellum y se llamó Fredeland (Tierra de paz), pero se hizo más conocida localmente por el nombre livónico de Turaida, que ha sobrevivido hasta el día de hoy. El castillo fue construido en gran parte en la construcción clásica de ladrillo rojo de las órdenes cruzadas del Báltico. Después de un incendio en 1776 fue abandonado. Su restauración comenzó a partir del año 1976.
Patio del castillo de Vélez Blanco, 1506–1515.
Geografía: Almería, España.
Material: Mármol de Macael (sierra de Los Filabres)
Dimensiones: 13,1 x 13,4 x 19,2 m
Crédito: Legado de George Blumenthal, 1941
The Metropolitan Museum of Art (Número de inventario: 41.190.482).
El patio de Vélez Blanco, cerca de Almería, es una joya de arquitectura híbrida. Por su planta asimétrica, gárgolas góticas, techo plano de viguería y arcos escarzanos, la estructura refleja los orígenes españoles del arquitecto. Escultores del norte de Italia ejecutaron los detalles decorativos renacentistas. Un suntuoso despliegue de flora y fauna caprichosas aparece en los arcos y los pilares de la balaustrada, así como en puertas y ventanas. Aunque elaborados, los motivos preservan el naturalismo, la nitidez de formas y la cualidad tridimensional característicos de los albores del Renacimiento italiano.
Encarnación Navarro López, museóloga del Museo comarcal velezano, explica la historia de la construcción del castillo y la peripecia de la llegada de su patio hasta Estados Unidos. Después de décadas de cambio de propiedad, el Duque de Medina Sidonia decide vender el patio. En 1904, un anticuario de origen francés se hace con diversas piezas del museo; posteriormente, en 1913, los coleccionistas George y Florence Blumenthal adquieren el patio del Castillo de Velez-Blanco. Esta es la historia del viaje de un castillo español hasta el Metropolitan Museum neoyorkino:
El Campylopterus phainopeplus es una especie muy poco conocida y endémica de la Sierra Nevada de Santa Marta en Colombia. Estuvo perdida para la ciencia durante 64 años antes de ser fotografiada una vez en 2010, para volver a perderse antes de su redescubrimiento en 2022 por Yurgen Vega. Sólo siete meses después, los profesores Carlos Esteban Lara y Andrés M. Cuervo, de la Universidad Nacional de Colombia, hallaron de forma independiente más ejemplares en otros lugares de la misma zona.
El productor Pete Waterman describe el «Canon en Re» de Pachelbel como el «padrino de toda la música pop». Escrito para tres violines y bajo continuo por el compositor alemán Johann Pachelbel (1653-1706) a finales del siglo XVII o principios del XVIII, esta sencilla redonda entrelazada (construida a partir de sólo ocho notas) ha sido reciclada como base de canciones de The Beatles, Green Day, Coolio, Maroon 5, The Farm, Christine and the Queens e incluso —según algunos— del himno de la Federación Rusa (y anteriormente de la Unión Soviética).
Esta melodía, que se interpreta habitualmente en las ceremonias nupciales —y que posiblemente fue escrita para los esponsales de su alumno, Johann Christoph Bach (hermano mayor de Johann Sebastian)—, está muy arraigada en la cultura occidental. Pero el Canon de Pachelbel languideció en el olvido durante un par de siglos antes de ser redescubierto en el renacimiento barroco de la década de 1950, en el que se desempolvaron Las cuatro estaciones de Vivaldi. En la década de 1980, los sistemas de espera telefónica de las empresas de todo el mundo lo adoptaron para contener la frustración de los clientes en un contexto de tiempo más profundo y expresión emocional más disciplinada.
No sabemos mucho sobre la vida de Pachelbel. Nació en Núremberg y estudió los fundamentos de la «tradición musical de Núremberg» con Heinrich Schwemmer, más tarde conocido como cantor principal de la iglesia de San Sebaldo. La familia de Pachelbel luchó por financiar sus estudios musicales, pero gracias a una combinación de diligencia y talento se graduó como organista de la corte del duque de Saxe-Eisenach.
Se cree que escribió más de 200 obras para órgano y muchas piezas vocales, aunque ahora se le recuerda más como un artista de un solo éxito. Un destino satirizado en 2017 en un sketch de BBC Radio 4 por el cómico John Finnemore en el que el compositor se lamenta de que, mientras intenta "servir un smörgåsbord de sabores sutiles", todo lo que su público demanda es «una avalancha de semicorcheas/Ronda y vuelta como un juego interminable de pasar el paquete/Todo con la gracia de un bisonte en un castillo hinchable».
En 2019, el director de orquesta estadounidense Kent Tritle declaró a The New York Times que lo que hizo que el Canon de Pachelbel se pusiera de moda fue la grabación de 1968 del director de orquesta francés Jean-François Paillard. Esta grabación transcurría a la mitad de velocidad que otras versiones, animando a los oyentes a dejarse llevar por ensueños emocionalmente relajantes.
En 1980, su popularidad se vio impulsada por su uso en la oscarizada película «Gente corriente», protagonizada por Mary Tyler Moore y dirigida por Robert Redford. Puede que esto inspirara el uso de otra pieza barroca (la «Marcha del Príncipe de Dinamarca» de Jeremiah Clarke) en la boda del Príncipe Carlos y la Princesa Diana en 1981. La sobria pompa barroca estaba oficialmente de moda. Y para muchos asistentes a la boda, su popularidad fue en aumento. En 1981, una viñeta del New Yorker mostraba a un preso atormentado por las repetidas interpretaciones de la pieza.
Todos los músicos clásicos a los que se les habla del Canon se quejan. «Es horrible», dicen. «Es muy repetitivo. Los violonchelistas se llevan la peor parte». Esta tensión repetitiva fue el tema de "Pachelbel Rant", una parodia cómica interpretada por el cómico (y antiguo violonchelista infantil) Rob Paravonian en 2006. Pero a los del mundo del pop les sigue encantando. En 1968, el grupo griego afincado en Francia Aphrodite's Child consiguió un emotivo éxito pop paneuropeo con Rain and Tears, el primero de los muchos éxitos de las listas de éxitos en utilizar el patrón de Pachelbel como telón de fondo de emociones modernas.
La primera vez que lo oí en una pista de baile fue en la discoteca de un colegio, cuando el DJ pinchó All Together Now (1990) de The Farm, y la banda de Liverpool convirtió la melodía en una celebración de la solidaridad. Pero se pueden escuchar los mismos acordes básicos (de forma más o menos obvia) que sostienen el himno nacional de la Unión Soviética de Alexander Alexandrov, adoptado posteriormente como el actual himno ruso; Streets of London (1969) de Ralph McTell; Let It Be (1970) de The Beatles; Go West, el himno gay de The Village People de 1979 (versionado por los Pet Shop Boys en 1993); Basket Case, de Green Day (1994); Don't Look Back in Anger, de Oasis (1996); C U When U Get There, de Coolio (1997); y Memories, de Maroon 5 (2019). Con un poco de esfuerzo, se puede escuchar subyacente en el éxito de Kylie Minogue de 1987 I Should Be So Lucky (coproducido por Pete Waterman).
El verano pasado, la artista trans Christine and the Queens utilizó la pieza para dar una estructura clásica a las continuas tensiones de la experiencia trans en Full of Life. Sobre los viejos y seguros patrones del violín, la artista nacida Héloïse Letissier (que ahora se identifica como Redcar, utilizando pronombres masculinos) cantaba: «Toma mi mano y olvida que soy una mujer más/Aunque me veas nunca me dejarás ser tu novio». Es una interpretación estimulante y valiente que encaja el debate moderno sobre el género en una secuencia de acordes de más de 300 años de antigüedad: la lucha de acordes mayores y menores por la aceptación tanto propia como social, sostenida en una perdurable estructura de amor.
Helen Brown
La edición de bolsillo de The Life of a Song: The stories behind 100 of the world's best-loved songs, editada por David Cheal y Jan Dalley, ha sido publicada por Chambers. Music credits: Universal; Erato/Warner; Mercury; Farmsongs; Melodiyadigital.com; Sanctuary; Apple; Can’t Stop; Reprise; Big Brother; Tommy Boy; Interscope; KDB PTY/BMG; Because Music.
Una de las granjas del Museo al Aire Libre de Estonia. Fotografía: Miguel Moliné.
El museo se encuentra a unos 7 Km. de la capital de Estonia, Tallin, en el distrito conocido como Rocca al Mare, abarca 72 hectáreas y cuenta con cerca de 80 edificios que recrean la arquitectura rural y la vida en los pueblos de Estonia desde el siglo XVIII hasta el XX.
El museo se fundó el 22 de mayo de 1957 e inició su actividad el 1 de junio del mismo año aunque la apertura a los visitantes no fue hasta agosto de 1964. El 1 de enero de 2014, el museo y la institución estatal Centro de Conservación Kanut se unieron y crearon la Fundación Museo al Aire Libre de Estonia.
Un mapa con todos los edificios que alberga el muso con acceso a la descripción de cada uno de ellos. Atención porque hay truco. Hay que acceder al mapa en estonio, clic en el círculo que marca el edificio y en la pequeña ventana que se abre volver a hacer clic en «Uuri lähemalt» (explorar más). Se abrirá una nueva página donde se describe el edificio y ya solo queda cambiar a al "inglés" para acceder a la información en este idioma. Esto es debido a que las página en inglés fallan si accedemos directamente a ellas habiendo seleccionado antes dicha lengua.
Jan Gossaert, llamado Mabuse (Maubeuge (?), hacia 1478 - Amberes (?), 1532): Adán y Eva, hacia 1507 - 1508
Óleo sobre tabla.
56,5 x 37 cm
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid.
Nº INV. 163 (1930.26)
Jan Gossaert, también conocido con el apodo de Mabuse por la ciudad de su nacimiento, fue un importante pintor neerlandés activo en el siglo XVI. Viajó a Italia y al Norte de Europa, y la huella de estos itinerarios se observa claramente en su producción. Este maestro fue una figura fundamental en la introducción del Renacimiento en los Países Bajos. Esta obra en concreto, está inspirada en un grabado de Durero del mismo tema, como se aprecia claramente en la postura de Adán y Eva con el árbol entre ambos. No obstante, Gossaert introduce cambios sustanciales como la orientación de las cabezas. Como es tradicional Adán se nos presenta a la izquierda y Eva a la derecha, sosteniendo la manzana que le entrega la serpiente. El artista abordó el tema de los Primeros Padres en numerosas ocasiones, pero esta versión está considerada la primera de la serie. La tabla estuvo anteriormente atribuida a Durero, adscripción corregida por Franz Dülberg, quien la incluyó en el repertorio de Gossaert. La fecha de ejecución del óleo también ha sido objeto de controversia, aunque se considera que fue realizada durante su estancia en Italia. Seguir leyendo ...
1. Economía: 
1. Política: