Arte

Leonora Carrington - Autorretrato en la podada del caballo del alba

Así se retrató Leonora Carrington, como una maga, protagonista de su Inn of the down borse, Autorretrato en la podada del caballo del alba. Parecen los elementos de un sueño para interpretar, las claves de una personalidad no revelada, los deseos por cumplir y el futuro por conquistar. Podría ser un exorcismo en marcha o una acción mágica. La artista tenía poco más de veinte años cuando plasmó tan expresivo retrato de sí misma. Vivía en una casa de campo al sur de Francia, en Saint Martin d’Ardéche, junto a su amante, el pintor alemán Max Ernst, uno de los mas reconocidos en el mundo del arte europeo a mediados de los años treinta. Realizado en un momento de estabilidad y felicidad de la pareja, el cuadro ya muestra algunas de la líneas maestras de la obra de Leonora Carrington: su carácter biográfico, la estructura clásica en la composición y disposición de los elementos pictóricos, su gusto por los animales y el color, y especialmente el aire enigmático resultante de la suma de los elementos presentados y la composición. La obra invita a cuestionar qué pasa ahí, qué quiere expresarse en este tableau vivant, qué secreto esconde esta historia pintada.

Este revelador autorretrato, que hoy cuelga de las paredes y forma parte de la colección del Metropolitan Museum de Nueva York, estuvo a punto de desaparecer cuando Max Ernst fue confinado en un campo de concentración por la invasión nazi de Francia. Ante el peligro que acechaba, Leonora decidió abandonar la casa que compartían y, con la ayuda de unos amigos, viajar a España en busca de un salvoconducto para Max en 1940, recién terminada la Guerra Civil. En su precipitada huida, Leonora dejó su obra y varias más de Max Ernst en la casa de Ardéche. Al escapar del segundo campo donde estuvo internado, fue Max quien paso de nuevo por la casa, ya ocupada por otras personas, y rescató las obras.

Texto: Martín-Domínguez, J., Leonora Carrington, maga y mártir del surrealismo. En Revista de Occidente nº 444 (Mayo 2018). Madrid, Fundación José Ortega y Gasset-Gregorio Marañón.


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Mosque of Yazd (Mohammad Reza Domiri)

La luz que se filtra por las celosías ilumina los exquisitos azulejos que decoran la cúpula de la Mezquita del Viernes en Yadz, ejemplo de la arquitectura persa. Construida en el siglo XII, es una de las mezquitas más antiguas aún en uso (Fuente imagen).

Mezquita de Nasir Al-Mulk, en Shiraz (Mohammad Reza Domiri)

La luz inunda la sala de oraciones a través de las vidrieras de vivos colores de la Mezquita de Nasir Al-Mulk, en Shiraz (Fuente imagen).

Fotografías de Mohammad Reza Domiri.

Andy Warhol - Marilyn Monroe (1967)
Marilyn Monroe (1967)

Los mitos suelen tener un final a la altura de su vida que eleva aún más, si cabe, su fama. Andy Warhol, sin embargo, no tuvo tanta suerte y el día 22 de febrero de 1987 se moría en un hospital neoyorquino después de una operación rutinaria.

Fue un artista prolífico que utilizó diversas técnicas como el dibujo a mano, la pintura, el grabado, la fotografía, la serigrafía, la escultura, el cine y la música. Desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art, y es considerado el guru de la modernidad: Andy Warhol y su muerte como situación embarazosa.


Exposición en el Museo Picasso Málaga: Warhol. El arte mecánico. Hasta el 16 de Septiembre de 2018. De la página en la Red solo cade destacar la que ofrece 10 obras con sus correspondientes audioguías.

Chagall: El cumpleaños (L'anniversaire), 1915
Chagall: El cumpleaños (L’anniversaire), 1915

El arte me parece sobre todo un estado del alma. —Marc Chagall, Mi vida 

Al adentrarnos en la obra de Marc Chagall, visitamos un universo de apariencia sencilla que encierra una realidad compleja, pues el artista entrelaza con sofisticación mundos que a simple vista pueden resultar antagónicos y que para él se convierten en complementarios a partir de 1911. Nacido en 1887 en el seno de una familia judía jasídica (un movimiento dentro del judaísmo) en la pequeña localidad de Vitebsk, vinculada entonces a la Rusia de los zares, Chagall crece en un ambiente constreñido, donde el acceso a la cultura y al arte rusos estaba limitado tanto por su religión como por las políticas de la época, que marginaban en guetos a los judíos y les privaban de sus derechos. Pronto rompe con lo establecido, primero ingresando en la escuela rusa, después estudiando arte con Yuri Pen en Vitebsk y, sobre todo, trasladándose a San Petersburgo, una gran urbe a la que los judíos solo podían acceder con un permiso especial. Cuando en 1911 el joven Marc Chagall se establece en París, animado por Léon Baskt, se produce un punto de inflexión en su producción. Hasta mayo de 1914, el artista trabaja en la capital francesa, creando un conjunto de obras en las que a sus recuerdos de la vida en la comunidad jasídica de Vitebsk se suman iconos de la metrópolis moderna. Las reminiscencias del arte popular ruso y de su cultura se mezclan con los experimentos estilísticos más avanzados que le ofrece la vanguardia de París y algunas de sus figuras más destacadas, como Pablo Picasso, Robert y Sonia Delaunay o Jacques Lipchitz.

En 1914, de regreso a su tierra para asistir a la boda de su hermana y ver a su prometida, Bella Rosenfeld, la Primera Guerra Mundial sorprende a Chagall, confinándolo allí durante ocho años, lo que le lleva a una fase de búsqueda de sí mismo que se refleja en muchas de las pinturas y obras sobre papel de la época. El artista realiza numerosos autorretratos, representaciones de su cotidianidad con su esposa Bella y su hija Ida, dibujos de los estragos de la guerra, de la vida en su comunidad y de una nueva Rusia. Tras la Revolución, Chagall es nombrado Comisario de las artes en Vitebsk, lo que le otorga autoridad sobre los museos, escuelas de arte y eventos artísticos celebrados en la región.


La colorista obra de Marc Chagall puede verse en el Guggenheim Bilbao (1 de junio, 2018 – 2 de septiembre, 2018).

En 1969, Lewis Carroll y Salvador Dalí formaron pareja y de aquel baile surgió una edición limitada en la que el genial pintor plasmó escenas de la clásica historia escrita por el británico. Más información en William Bennett Modern.

 

 

Bruegel el Viejo, Pieter: El triunfo de la Muerte

Tras un año en cuidados intensivos, la muerte renace y reclama su lugar en las paredes del Museo del Prado. El pasado domingo, tras una minuciosa restauración, se colgó el cuadro El triunfo de la Muerte de Pieter Bruegel el Viejo, uno de los pintores más importantes de toda la historia del arte europeo.

En la pintura, Pieter Bruegel el Viejo narra como un devastador ejército de esqueletos arrolla a todos los seres vivos que encuentra a su paso y provoca un holocausto de horror, muerte y destrucción. Todos los hombres están condenados a morir sin importar su categoría social y o su pecado. Es la Danza de la Muerte.

A Bird’s Nest Atami (Hiroshi Nakamura)
A Bird’s Nest Atami (Hiroshi Nakamura)

No siempre un arquitecto tiene la oportunidad de construir un “casa en el árbol” o “casa de té” porque no son encargos muy frecuentes que digamos. En este caso, el afortunado fue Hiroshi Nakamura:

«A menudo me impresionan los nidos que los cuervos construyen usando perchas de ropa. Las perchas no solo son duraderas sino también altamente elásticas, y ofrecen más ganchos para conectar que ramas y, por lo tanto, son más fáciles de ensamblar. Los cuervos, volando hábilmente a través de la dicotomía de lo natural y lo artificial, están creando un ambiente funcional y confortable. Seguir leyendo …

Desde que se prohibió en 2006 tirar los neumáticos a los vertederos y se fijó su correcta gestión ambiental, todos los años, miles de toneladas, son reciclados y tratados. Sin embargo, no todos acaban en las carreteras, los campos de fútbol o como combustible. Ángel Cañas convierte esos residuos en esculturas.

Así explica el artista su forma de trabajar: el proceso comienza con una estructura sencilla y consistente sobre el que se van atornillando las tiras de neumático previamente cortadas, dando forma a la escultura a medida que se van incorporando (en una escultura mediana se pueden emplear alrededor de 1500 tornillos). En ocasiones para aportar durabilidad a la obra empleo espumas de poliuretano para rellenar los huecos que se forman en el proceso, de esta forma la escultura no es solamente consistente, si no que también queda preparada para estar a la intemperie y que no se filtre agua de lluvia etc. Para realizar ciertas partes como los ojos utilizo piezas de reciclaje como tapones de envases.

Podéis ver su trabajo en http://www.angelcanas.com/