Arte contemporáneo

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Fernando Botero: Franco, 1986. Óleo sobre lienzo. 226 x 168 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (AD03372). Donación del artista, 2003. Fernando Botero falleció hoy, 15 de septiembre de 2023, a los 91 años de edad. Dado que sus obras son muy conocidas, me ha parecido oportuno comenzar este breve comentario con un cuadro algo distinto, al menos en cuanto a su temática:

Fernando Botero (Medellín, 1932 - Mónaco, 2023): Franco, 1986.
Óleo sobre lienzo.
226 x 168 cm.
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (AD03372).
Esta pintura la realizó por encargo del entonces presidente del Grupo 16, Juan Tomás de Salas, y fue donada por su autor al museo en 2003. En un principio, el artista colombiano hizo un boceto con la campaña de Marruecos como motivo, pero al final decidió «retratarlo en la plenitud de la vida, cuando acababa de tomar el poder».

Texto introductorio a la obra de Botero en el Museo de Antioquia: «Comenzó su carrera a finales de la década de 1940. Es conocido por su estilo de figuras monumentales, pinceladas bien elaboradas y temas enraizados en la cultura latinoamericana y la historia del arte universal. La obra de Botero incluye pinturas, esculturas y dibujos. Exploró el tema de la violencia en Colombia en la década de 1990, con la esperanza de dejar testimonio de una época irracional. Botero ha hecho varias donaciones a museos de Colombia, entre ellos el Museo Nacional de Colombia y el Museo de Antioquia. Participó en varias exposiciones en Estados Unidos y Europa, entre ellas la Bienal de Venecia y la Staatliche Kunsthalle de Baden-Baden. Su formación artística fue en gran parte autodidacta y se inspiró en diversas fuentes, como muralistas mexicanos y maestros renacentistas.»

Para conocer su obra contamos con dos principales recursos: La Colección de Arte del Banco de la República y el Museo de Antioquia.

Otros museos también cuentan con obras suyas. Alguna de ellas las podéis ver en la siguiente galería:

  • Fernando Botero: Still Life with Onions, 1974. Oil on canvas. 137,2 × 153,7 cm. The Art Institute of Chicago (1988.141.5)
    Fernando Botero: Still Life with Onions, 1974.
  • Fernando Botero: Dancing in Colombia, 1980. Oil on canvas. 188 × 231.1 cm. The Metropolitan Museum of Art (1983.251).
    Fernando Botero: Dancing in Colombia, 1980.
  • Fernando Botero: Man on Horseback, 1984. Bronze. 249,9 × 193 × 132,1 cm. The Metropolitan Museum of Art (1988.182)
    Fernando Botero: Man on Horseback, 1984
  • Fernando Botero: Mona Lisa, 1959. Oil and tempera on canvas. 211 x 195,5 cm. Museum of Modern Art (279.1961)
    Fernando Botero: Mona Lisa, 1959.
  • Fernando Botero: The Presidential Family, 1967. Oil on canvas. 203,5 x 196,2 cm. Museum of Modern Art (2667.1967).
    Fernando Botero: The Presidential Family, 1967

Y por supuesto, no podemos olvidarnos de sus estatuas: Un viaje por el mundo con el maestro Fernando Botero.

Lecturas:

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Morning (1926). Dod Procter (1892-1972). Presented by the Daily Mail 1927
Morning (1926). Dod Procter (1892-1972). Presented by the Daily Mail 1927

La obra, actualmente en la Tate londinense, fue expuesta en la exhibición de verano de 1927 en la Royal Academy  donde fue calificada por votación como el mejor cuadro del año. El premio hizo que la artista, Dod Procter (1892–1972), fuera conocida por el gran público y le llevó a mostrar su obra tanto en Gran Bretaña como en Nueva York.

La modelo fue Cissie Barnes, la hija de dieciséis años de un pescador de Newlyn (Cornwall), residencia de Dod Procter durante gran parte de su vida.

Treinta y cinco se sus trabajos se pueden ver en Art Uk.

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Saul Steinberg: New York Moonlight, 1974-1981
Saul Steinberg: New York Moonlight, 1974-1981

Like many children of the 1970s, I first encountered Saul Steinberg’s drawings on the cover of The New Yorker. Or, to be more precise, I first saw printed reproductions of his drawings on New Yorker covers plastered all over the walls of my family’s bathroom in Omaha, Nebraska. Like many bathrooms of the era, ours had become a do-it-yourself decorating project for my mother, for which New Yorkers—and, apparently, reproductions of nineteenth-century Sears-Roebuck catalog pages—were deemed de rigueur sometime during the years of the Ford administration. I would spend extended sessions puzzling over the pictures, which towered not only above my child-sized perspective, but also beyond the limits of my understanding. (I think my mother put the antique whalebone corset and uterine syringe advertisements near the ceiling for a reason.)

But it was the “View of the World from Omaha, Nebraska” poster framed in our den that most fascinated me. Its title, typeset in the legitimizing New Yorker font, and its curious, childlike cartoon map of familiar downtown buildings disappearing into a pastureland of distant pimples labeled with names like “Pittsburgh,” “Philadelphia,” and “New York” before rolling off into the ocean absolutely captivated me with the idea that I could be living in such an important city as Omaha—especially given that The New Yorker had seen fit to highlight the fact on a sheet of paper four times the usual size of the magazine. After all, Nebraska is more or less traditionally considered the geographic center of the United States—and is actually labeled as such in the real View of the World from 9th Avenue, drawn by Steinberg, which appeared on the March 29, 1976, cover of The New Yorker. The original did not, unfortunately, appear on our bathroom wall, so when I first saw the genuine image years later as a teenager, I still felt a lingering security within its strange loop of place-time—even if only then was I getting the actual joke. Seguir leyendo ...

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Rick Savata

¿A quién lo le gustan los brillantes colores de las medusas y sus gráciles movimientos? Tras un viaje al acuario de la bahía de Monterrey, Rick Savata comenzó a replicar en esculturas esas fantasmales criaturas. Un regalo caro porque la más barata ronda los 300 dolares. La de la foto, por ejemplo, vale 800 dólares.

Aunque cada una de las medusas que esculpe están suspendidas en el cristal, sus tentáculos parecen que siguen ondulando a través del agua. La técnica empleada es la llamada "vidrio en vidrio" y consiste en sumergir una escultura de cristal dentro de una segunda capa de vidrio fundido (sudario).

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NeSpoon: Varsovia (Polonia)
Varsovia (Polonia)

NeSpoon es el pseudónimo bajo el que descubrimos a una artista polaca que surge del movimiento street art en  2009 y que está destacando a nivel mundial en diversos festivales, bienales y exposiciones. Con piezas muy delicadas a pequeña escala y vibrantes en murales o instalaciones, su trabajo se caracteriza por utilizar piezas textiles como ganchillos y encajes a modo de plantillas o materiales en sí mismos con los que trabajar e inspirarse en grandes instalaciones... seguir leyendo en ahmagazine.es (amplia entrevista en español, fotografías y video).

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Outings Project. Varsovia (Polonia)
Varsovia (Polonia)

Visite un museo, escoja un cuadro que incluya un retrato, haga una fotografía, imprímala en "grande" y finalmente péguela en la pared de una calle. El objetivo no es otro que embellecer nuestras ciudades a la par que sacar el arte de los museos. La idea la tuvo Julien de Casabianca, quien la plasmo en Outings Project. Ciudades como París, Londres, Mérida (Venezuela), Los Angeles, Lyon, Burdeos,... han sido testigos de esta iniciativa a la que se puede apuntar uno mismo.

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Cinta Vidal Agulló. ‘Holidays’ 2016
‘Holidays’ 2016

Cuando la dimensión interna de cada uno de nosotros no concuerda con la estructura mental de los que nos rodean, el resultado, según la pintora Cinta Vidal Agulló, es una perspectiva del mundo contradictoria:

Más información: Las perspectivas imposibles de Cinta Vidal Agulló :: Exclusive Interview: Cinta Vidal Agulló Discusses Her Paintings of Inverted Architecture.