Arte contemporáneo (Continuación)

Curtis Santiago: Sculpture-Infinity
Execution of Michael-Brown. 9,5 x 9,5 x 11,43 cm.

Para los que gusten de dioramas, las cajas para joyas del artista canadiense Curtis Santiago (Talwst*) guardan una sorpresa, a saber, una réplica en miniatura de escenas de la historia. Se trata de una serie de obras construidas bajo el título Sculpture-Infinity.


(*) Talwst es una referencia a su abuelo caribeño y al apodo de su padre, Tall Waist

Dustin Yellin. Collages figurativos tridimensionales
Photo by Andrew Romer

El artista de Brooklyn Dustin Yellin fue requerido por el New York City Ballet para instalar una nueva serie de sus collages figurativos. El artista se refiere a las esculturas como Psychogeographies porque "se sienten como mapas de la psique".

Cada escultura de gran escala se adorna individualmente con extraños objetos encontrados: libros cortados, revistas y basura que se encuentran en la calle, que luego se sellan en capas de vidrio. "Y entonces debías tomar otra ventana y pegarla a esa ventana ... hasta que tuvieras un sandwich de ventana. Hago bocadillos de ventana".

Un total de 15 de estos "sandwiches de ventana", cada uno con un peso de 3.000 libras cada uno, se instalaron en el atrio del teatro David H. Koch en el Lincoln Center. La instalación estuvo a la vista para todas las presentaciones hasta el 1 de marzo de 2015, pero puedes seguir la actividad de este artista en Instagram.

Diego Rivera: Liberación de un peón
Diego Rivera: Liberación de un peón

Hace ochenta años, el MoMA encargó a Diego Rivera ocho murales. Hoy cinco de ellos vuelven a Nueva York de la mano del citado museo. La exposición, que se podrá visitar hasta el 14 de mayo de 2012, dispone de una versión en línea. Según se anuncia, pronto estará no solo en inglés sino en español. Además de una extensa biografía, hay un apartado donde se explican las técnicas empleadas por el pintor mexicano para realizar sus obras.

Actualización 21/02/2019: el recurso ha desaparecido y solo queda la versión para móvil.

Por Eleonora Scherini:

Al hablar de salas expositivas es fácil que la mente vuele hacia paredes blancas solemnemente galardonadas por obras de arte, acompañadas por un cartelito informativo y debidamente distanciadas, con el fin de permitir al espectador la detenida contemplación de toda la maestría contenida en los cuatro argenes de un marco, pues bien, nada mas lejos de la instalación site specific, ideada por Rui Macedo, para una de las salas del IVAM.

Al entrar, salta a la vista el color rojo y la laberíntica distribución de la superficie expositiva que, siguiendo la numeración ascendente de las obras en ella colgadas, lleva a un nicho donde queda custodiada la obra madre, premio para todo espectador persistente y síntesis de la misma instalación: Sobre un gran lienzo, pertinentemente aislado, están reproducidas las demás obras expuestas, insertadas en un juego pictórico que simula espacios y puertas entreabiertas, que recuerdan a un cabinet d’amateurs moderno.

El montaje de la exposición, confiado al mismo artista a causa de los supuestos estéticos en los que su producción se apoya, evoca la misma sensación de encontrarse en una colección privada, fruto del bagaje y del gusto personal, donde en las paredes rebosantes habrá que encontrar un hueco para la pieza que vendrá, de ahí quizás la referencia a la totalidad imposible del título, una totalidad aún por acabar. Pero también se refieren a aquella imposibilidad los cuadros seccionados y colocados en la parte inferior de la pared, que insinúan una continuidad en el subsuelo, en un espacio que no es accesible al espectador y que rememora un famoso descenso a un mundo maravilloso.

Paisaje 18 o El Crsital (2011). Óleo sobre lienzo, 81 x 116 cm.
Paisaje 18 o El Crsital (2011). Óleo sobre lienzo, 81 x 116 cm.

Así como la Alicia de Carrol, precipitándose en un pozo, descubría una especialidad concebida según nuevas reglas que subvertían el concepto de inmutabilidad, el espectador se encuentra penetrando el espacio artístico, enfrentado a lienzos carentes de acción, lugar y tiempo definidos, que devuelven la traducción del mundo visible según la imagen del mundo interior del artista. Rui Macedo invita al público a vivir un segundo de esa caída, el segundo que le pertenece a su investigación y que queda inmortalizado en la sala expositiva.

Las obras de Macedo constituyen de hecho un recorrido. Crean un microclima sujeto a todas y cada una de ellas. Desbordando los marcos, empiezan en una para colarse y continuar en la siguiente y a la vez entretejen un dialogo con el pasado y con sus referentes, conscientes de su continuidad con ellos y de participar de un mismo viaje, que hace de la realidad representación subjetiva y que, abarcando la historia del arte entera, se muestra con su infinidad de caras y facetas.

Por eso Macedo hace continuos guiños a la obra de artistas como Durero, Miguel Angel, Caravaggio, Poussin, Bronzino, Tintoretto, Matisse, Mondrian, troceando y extirpando figuras y repitiéndolas en otros contextos, modernizándolas con colores vivos y atmósferas POP, elaborando una vez más una representación de la realidad dictada por íntimas reglas.

El artista descentraliza la atención desde el consueto punto de interés contenido en un marco, sea este físico o abstraído en una forma cuadrilátera, a un espacio más amplio, donde no hay punto de observación preferente, ya que la única contemplación posible es la lectura del conjunto. Es imposible no entrelazar los elementos que se repiten y mutan en el pasaje de una obra a la otra, siguiendo una modalidad que podría ser propia del paso del tiempo o del curso de las ideas. Cada pieza es un factor de la ecuación que da como resultado esa totalidad parcial de la que nos da cuenta Macedo, su propia interpretación del mundo.

Enlaces relacionados: Ficha de la exposición - Muestra de algunas de sus obras - Página de Rui Macedo.

No se muy bien dónde encuadrar a Murakami porque ha sobrepasado con creces la categoría de "artista" para alcanzar el grado de "icono", al menos en Japón. Desde luego, el negocio funciona a las mil maravillas: aunque sus obras alcanzan precios desorbitados, se puede también encontrar "accesorios" y reproducciones a precios muy asequibles.

Takashi Murakami (Tokio, 1962)Dio sus primeros pasos en el arte Nihonga, un estilo pictórico que prima el uso de materiales y técnicas tradicionales japonesas, y nacido a finales del siglo XIX como reacción a la influencia de Occidente en la cultura nipona. No obstante, pronto cambió de tercio centrándose en la obsesión de buena parte de la sociedad asiática por el manga y los dibujos animados (otaku). Posteriormente fundó el movimiento artístico Superflat con el objetivo de representar lo que él denomina la cultura Poku (Pop+otaku) y cuyas características formales más importantes son: imágenes basadas en la animación, colores planos y un fuerte carga de fetichismo sexual. Entre sus obras más conocidas se encuentran sus "flores con caras" y sobre todo los personajes Kaikai y Kiki.

Ahora podemos ver su trabajo en MOCA, ya que del 29 de octubre de 2007 al 11 de febrero de 2008 se celebra allí una retrospectiva, la mayor hasta la fecha, de este artista. Los internautas estamos de suerte porque el museo ha dispuesto una exhibición en línea especial.

Nota: en 2208 esta exposición recalará en el Guggenheim de Bilbao.

Neo Rauch (Leipzig, abril de 1960) es un pintor alemán cuya monumental obra se nutre tanto del surrealismo como del realismo socialista. No recuerdo que en España hayamos tenido el placer de contemplar su trabajo pero si tienen curiosidad, pueden echar un vistazo en el Metropolitan Museum of Art.

Der nächste Zug (The Next Move/The Next Draw), 2007

Neo Rauch (German, born 1960)
Der nächste Zug (The Next Move/The Next Draw), 2007
Oil on canvas; 59 1/8 x 78 3/4 (150 x 200 cm)
Courtesy Galerie EIGEN + ART Leipzig/Berlin & David Zwirner, New York
© 2007 Neo Rauch/Artists Rights Society (ARS), New York/VG Bild-Kunst, Bonn
Photo: Uwe Walte

Señoritas de AvignonLas Señoritas de Avignon (1907), un cuadro pintado por Pablo Picasso (Málaga, 1881 - Mougins, 1973) cumplen cien años y el MoMA lo celebra por todo lo alto con una exposición —Picasso's Demoiselles d'Avignon at 100— que acoge, junto al mencionado cuadro, otros cincuenta y cuatro trabajos del famoso artista malagueño. El cuadro tiene su miga ya que, al margen de pasar desapercibido en su época e incluso de ser poco apreciado, se le considera un punto de inflexión en la pintura contemporánea y origen del cubismo.

No podremos en esta ocasión contar con una exposición virtual pero el MoMa cuenta en su sitio con un lugar dedicado a mostrar el trabajo de restauración llevado a cabo durante varios años.

Angel of the North
Angel of the North

Hasta el 19 de agosto se puede contemplar en la Hayward Gallery (Londres) el trabajo de uno de los escultores más afamados de la actualidad, el londinense Antony Gormley, cuya obra más conocida se trate probablemente de Angel of the North (Gateshead, 1998).

La muestra acoge tanto esculturas diseñadas para su ubicación en el propio centro de arte como otras que representan su trabajo en la tres últimas décadas, enfocadas generalmente hacia el cuerpo humano y las relaciones entre éste y el entorno. La instalación va más allá de la galería y se extiende en un área de la ciudad de mil quinientos metros cuadrados.

En la Tate Modern acaba de terminar la que ha sido la primera retrospectiva que exploraba el trabajo conjunto de los artistas suizos Peter Fischli y David Weiss, pero nos han dejado un recorrido virtual bastante interesante.

Flowers & Questions

Peter Fischli (1952) y David Weiss (1946). Artistas suizos. Su colaboración se remonta a 1979. En sus trabajos utilizan técnicas tan diversas como el cine, el vídeo, la escultura o la fotografía. La reflexión de su obra se centra en una revisión de la realidad cotidiana en la que aparece distorsionado uno de los parámetros fundamentales del mundo contemporáneo: el tiempo. Aderezadas con inteligentes dosis de ironía, sus piezas reivindican una normalidad sutilmente traspasada por las fuerzas de lo mágico y cuestionan la categoría de la obra de arte con estrategias que se inscriben en la mejor tradición duchampiana. Entre sus obras destacan las series de fotografías como “Flowers”, “Cars” o “Airports”. La obra que les dio a conocer en la octava edición de la Documenta fue el vídeo Der Lauf der Ringe (“El funcionamiento de las cosas”), auténtica filigrana del arte cinético en la que se ofrece un interminable encadenamiento de causas y efectos que provocan el movimiento de diversos objetos y que ha sido vista como una metáfora en miniatura del funcionamiento de nuestro propio mundo. Entre sus exposiciones más recientes puede mencionarse “Visible world” (2000-2001), basada en la obra del mismo nombre, y que recorrió diversos museos europeos como la Fundación Serralves de Oporto o el MACBA de Barcelona.