Paul Gauguin (1848-1903): Nevermore, 1897. The Samuel Courtauld Trust, The Courtauld Gallery, London
Las dos figuras del fondo y el "pájaro del diablo que está vigilando", como Gauguin lo llamó, parecen estar conspirando contra la mujer reclinada. Ella yace despierta, quizás consciente de ser observada. El título evoca El Cuervo de Edgar Allan Poe, en el que un poeta, enloquecido por la pérdida de su amor, escucha a un cuervo repitiendo interminablemente 'Nunca más'. Aquí, Gauguin sugiere la pérdida de la inocencia. Estaba profundamente decepcionado por Tahití, donde se había mudado desde París, con la esperanza de encontrar un paraíso primitivo y virgen. En cambio, encontró una sociedad arruinada por la corrupción y el colonialismo.
Barker of Bath: Lansdown Fair, near Bath. Victoria and Albert Museum
Thomas Barker (Pontypool, 1767; Bath, 11 Dec. 1847) fue un pintor y litógrafo británico que se especializó en paisajes y pintura de género. Nació en Gales pero es conocido por el sobrenombre de 'Barker of Bath' por haber trabajado durante la mayor parte de su vida en la ciudad de Bath. Su obra estuvo muy influenciada por Thomas Gainsborough, uno de los artistas más famosos de los que vivieron en esa misma ciudad. Aunque tuvo cierto éxito en vida, su popularidad fue disminuyendo con el pasar de los años y acabó muriendo en la pobreza.
Retrato de un matrimonio. Lorenzo Lotto. Óleo sobre lienzo, 96 x 116 cm. h. 1523 - 1524. San Petersburgo, The State Hermitage Museum.
Lorenzo Lotto (Venecia, 1480–Loreto, 1556/57) fue uno de los grandes retratistas del Renacimiento por la variedad de tipologías que empleó; por la profundidad psicológica que imprimió a los modelos, y por su inteligente uso de los objetos para definir el estatus, las aficiones y las aspiraciones de los efigiados.
Lotto, que conoció tanto el éxito como el fracaso, cayó prácticamente en el olvido tras su muerte y fue a finales del siglo XIX cuando Bernard Berenson (1865-1959) lo rescató como el primer pintor italiano preocupado por representar los estados de ánimo y, consecuentemente, como el primer retratista moderno. Esta interpretación, aún vigente, encontró terreno abonado en una sociedad cada vez más interesada por los aspectos profundos del individuo, y no parece casual que Berenson fuera coetáneo de Sigmund Freud (1856-1939) y los inicios del psicoanálisis.
Esta exposición, la primera dedicada a los retratos de Lotto, incluye obras procedentes de los lugares donde trabajó este pintor nómada: su Venecia natal, Treviso, Bérgamo, Roma y Las Marcas, realizadas durante cincuenta años. Las primeras traen ecos de Antonello da Messina tamizados por Alvise Viviarini, su maestro, y Giovanni Bellini, a los que se agregaron elementos nórdicos (principalmente Durero), de Giorgione, Rafael, Leonardo y, en la década de 1540, de Tiziano. Lotto reelaboró estos aportes hasta dotarse de un lenguaje propio en el que miradas, ademanes y objetos se aúnan para trascender la descripción física y el estatus de los retratados y revelar sus sentimientos más profundos. Son retratos con un formidable potencial narrativo que invitan a imaginar las vidas de los efigiados y dan fe de una Italia en profunda transformación [Lorenzo Lotto online]
Morning (1926). Dod Procter (1892-1972). Presented by the Daily Mail 1927
La obra, actualmente en la Tate londinense, fue expuesta en la exhibición de verano de 1927 en la Royal Academy donde fue calificada por votación como el mejor cuadro del año. El premio hizo que la artista, Dod Procter (1892–1972), fuera conocida por el gran público y le llevó a mostrar su obra tanto en Gran Bretaña como en Nueva York.
La modelo fue Cissie Barnes, la hija de dieciséis años de un pescador de Newlyn (Cornwall), residencia de Dod Procter durante gran parte de su vida.
El arte me parece sobre todo un estado del alma. —Marc Chagall, Mi vida
Al adentrarnos en la obra de Marc Chagall, visitamos un universo de apariencia sencilla que encierra una realidad compleja, pues el artista entrelaza con sofisticación mundos que a simple vista pueden resultar antagónicos y que para él se convierten en complementarios a partir de 1911. Nacido en 1887 en el seno de una familia judía jasídica (un movimiento dentro del judaísmo) en la pequeña localidad de Vitebsk, vinculada entonces a la Rusia de los zares, Chagall crece en un ambiente constreñido, donde el acceso a la cultura y al arte rusos estaba limitado tanto por su religión como por las políticas de la época, que marginaban en guetos a los judíos y les privaban de sus derechos. Pronto rompe con lo establecido, primero ingresando en la escuela rusa, después estudiando arte con Yuri Pen en Vitebsk y, sobre todo, trasladándose a San Petersburgo, una gran urbe a la que los judíos solo podían acceder con un permiso especial. Cuando en 1911 el joven Marc Chagall se establece en París, animado por Léon Baskt, se produce un punto de inflexión en su producción. Hasta mayo de 1914, el artista trabaja en la capital francesa, creando un conjunto de obras en las que a sus recuerdos de la vida en la comunidad jasídica de Vitebsk se suman iconos de la metrópolis moderna. Las reminiscencias del arte popular ruso y de su cultura se mezclan con los experimentos estilísticos más avanzados que le ofrece la vanguardia de París y algunas de sus figuras más destacadas, como Pablo Picasso, Robert y Sonia Delaunay o Jacques Lipchitz.
En 1914, de regreso a su tierra para asistir a la boda de su hermana y ver a su prometida, Bella Rosenfeld, la Primera Guerra Mundial sorprende a Chagall, confinándolo allí durante ocho años, lo que le lleva a una fase de búsqueda de sí mismo que se refleja en muchas de las pinturas y obras sobre papel de la época. El artista realiza numerosos autorretratos, representaciones de su cotidianidad con su esposa Bella y su hija Ida, dibujos de los estragos de la guerra, de la vida en su comunidad y de una nueva Rusia. Tras la Revolución, Chagall es nombrado Comisario de las artes en Vitebsk, lo que le otorga autoridad sobre los museos, escuelas de arte y eventos artísticos celebrados en la región.
La colorista obra de Marc Chagall puede verse en el Guggenheim Bilbao (1 de junio, 2018 – 2 de septiembre, 2018).
Tras un año en cuidados intensivos, la muerte renace y reclama su lugar en las paredes del Museo del Prado. El pasado domingo, tras una minuciosa restauración, se colgó el cuadro El triunfo de la Muerte de Pieter Bruegel el Viejo, uno de los pintores más importantes de toda la historia del arte europeo.
En la pintura, Pieter Bruegel el Viejo narra como un devastador ejército de esqueletos arrolla a todos los seres vivos que encuentra a su paso y provoca un holocausto de horror, muerte y destrucción. Todos los hombres están condenados a morir sin importar su categoría social y o su pecado. Es la Danza de la Muerte.
Ce sont les plus rébarbatifs villains, à les voir, que j'aie jamais apperçeu
A Gustave Doré se le suele conocer por sus ilustraciones de obras tan importantes en la literatura universal como El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha, la Biblia (1865) y La Divina Comedia y, sin embargo, su obra va mucho más allá de aquéllas.
En esta exposición virtual tendremos la oportunidad de recorrer su trayectoria personal y artística gracias al trabajo de la Biblioteca Nacional de Francia. Se trata de un sitio antiguo con un diseño poco amigable. Aún así, merece la pena porque descubriremos facetas poco conocidas de este gran artista como, por ejemplo, sus pinturas. Sirva de muestra esta obra titulada Les Saltimbanques (1874).
Siguiendo los pasos de los artistas del siglo XIX que celebraban la vida al aire libre como un lugar de ocio, renovación e inspiración, esta exposición explora los desarrollos en la jardinería que remodelaron el paisaje de Francia y fundaron movimientos innovadores —artísticos y ecológicos— en una época que dio lugar al naturalismo, el impresionismo y el Art Nouveau.
A medida que los cargamentos de plantas exóticas llegaban del exterior y los viveristas locales buscaban la hibridación, la disponibilidad y variedad de plantas y flores crecieron exponencialmente, al igual que el interés en ellas. La apertura de las antiguas propiedades reales y la transformación de París durante el Segundo Imperio en una ciudad de bulevares y parques arbolados introdujeron espacios verdes públicos para disfrutar como salones al aire libre, mientras que los habitantes de los suburbios y los habitantes de las casas de campo fueron incitados a cultivar sus propios jardines de flores.
Para 1860, el periodista francés Eugène Chapus podía escribir: "Una de las características más pronunciadas de nuestra sociedad parisina es que ... todos en la clase media quieren tener su pequeña casa con árboles, rosas y dalias, su jardín grande o pequeño, su parte rural de la buena vida ".
Ignacio Zuloaga: Celestina (1906). Museo Reina Sofía, Madrid.
La exposición en Madrid (Sala Fundación MAPFRE Recoletos) de Ignacio Zuloaga en el París de la Belle Époque ofreció una imagen de la obra del pintor de Eibar poco habitual en España. Sin obviar la interpretación tradicional que le une al tópico de la España negra, el recorrido expositivo excede esta concepción y muestra cómo la pintura de Zuloaga (Éibar, 1870-Madrid, 1945) combina un profundo sentido de la tradición con una visión plenamente moderna, especialmente ligada al París de la Belle Époque y al contexto simbolista en el que el pintor se mueve por aquellos años.
La exposición finalizó el pasado 8 de enero pero la Fundación MAPFRE nos ha dejado un regalo muy especial. Siéntese cómodamente, sírvase café (o cerveza o vino o lo que le plazca) y dispóngase a disfrutar de la exposición: haga clic y disfrute de la visita virtual.
Izquierda: Traje (Hacia 1900. Tafetán y algodón. Musée des Arts décoratifs, París). Derecha: Joaquín Sorolla. Clotilde con traje negro (1906. Óleo sobre lienzo, 186,7 × 118,7 cm. The Metropolitan Museum of Art, Nueva York. Catharine Lorillard Wolfe Collection, Wolfe Fund, 1909.
El Museo Thyssen-Bornemisza organiza, en colaboración con el Museo Sorolla, una exposición (del 13 de febrero al 27 de mayo de 2018) que analiza la influencia de la moda en la obra de Joaquín Sorolla que podrá verse simultáneamente en ambas sedes.
Comisariada por Eloy Martínez de la Pera, la muestra reunirá en torno a setenta pinturas, procedentes de museos y colecciones privadas nacionales e internacionales y algunas de ellas nunca expuestas públicamente, junto a una selección de complementos y vestidos de la época.
Gran amante de la moda, Sorolla es el cronista perfecto de los cambios en las tendencias y estilo de la indumentaria a finales del siglo XIX y principios del XX. Sus obras reúnen un evocador catálogo de vestidos, joyas y complementos, realzados por su trazo suelto y vigoroso. La exposición prestará especial atención a los magníficos retratos femeninos que el pintor realizó entre los años 1890 y 1920.
