Mary Cassatt (Pittsburgh, Pensilvania, Estados Unidos, 22/05/1844 - Le Mesnil-Théribus, Francia, 14/06/1926: Mujer sentada con un niño en brazos, c. 1890.Mary Cassatt (Pittsburgh, Pensilvania, Estados Unidos, 22/05/1844 - Le Mesnil-Théribus, Francia, 14/06/1926: Mujer sentada con un niño en brazos, c. 1890.
Óleo sobre lienzo, 81 x 65,5 cm.
Museo de Bellas Artes de Bilbao.


Existe cierta unanimidad a la hora de considerar Mujer a punto de bañar a su hijo adormilado (1880, Los Angeles County Museum of Art) como la primera obra en la que Cassatt afrontó la representación de mujeres (madres en ocasiones, pero también niñeras o cuidadoras) con niños.

Durante la década de 1870, el trabajo de la pintora se había concentrado, sobre todo, en la descripción de la vida cotidiana de las mujeres contemporáneas de un nivel cultural y social similar al suyo, a quienes había mostrado acudiendo al teatro y a la ópera, visitando museos y exposiciones, etcétera. Sin embargo, en la década siguiente su interés se trasladó desde lo público hacia los ámbitos femeninos más privados, dentro de los cuales las escenas de mujeres con niños se convirtieron en un asunto preferente. Al igual que otras pintoras de finales del siglo XIX, Cassatt acostumbraba a extraer sus temas de su entorno personal y familiar más cercano, dado que las rígidas normas sociales de la época dificultaban el acceso de las mujeres artistas a trabajar con modelos profesionales, o a pintar fuera de sus estudios. En este sentido, como explicación a su nuevo interés por estas escenas suele mencionarse el hecho de que en 1880 su hermano Alexander viajó con su esposa y sus cuatro hijos desde Estados Unidos para pasar el verano con la pintora y sus padres. Es probable que la presencia de sus sobrinos le sirviera de estímulo para desarrollar nuevos temas, pero no hay que olvidar que las representaciones de mujeres con niños de Cassatt recuperan una iconografía tradicional en la historia del arte occidental, la de las vírgenes con niño. Muchas de sus obras de la década de 1890 se inspiran en pinturas y esculturas del primer Renacimiento italiano, que tuvo oportunidad de conocer tanto en sus viajes por Italia como, sobre todo, en sus visitas al Museo del Louvre. En cualquier caso, se trata de un tema al que Cassatt, en plena madurez artística, dedicó, a través de óleos, pasteles y grabados, casi un tercio de su producción total, y con el que alcanzó una gran popularidad por su capacidad para mostrar sin sentimentalismo —aunque introduciendo gran número de gestos y detalles de ternura— las relaciones madre-hijo.

En Mujer sentada con un niño en brazos, de factura abocetada y reducida gama cromática, un niño de corta edad, en brazos de su madre o de su cuidadora, mira fijamente al espectador mientras la mujer, de espaldas, parece concentrarse en la preparación de su aseo. Las figuras son monumentales, quizás para enfatizar el contacto físico entre ambas, y están situadas en un espacio del que, a excepción de la jarra y la palangana colocadas a la izquierda, apenas se ofrecen datos, aunque el sillón, cuyo respaldo ocupa el primer término de la composición, sugiere que se trata de un agradable interior burgués. Salvo el hecho de que la mujer esté de espaldas, estos mismos elementos aparecen en otras escenas de mujeres con niños realizadas por Cassatt en esos años, como el óleo Madre y niño (c. 1890, Wichita Art Museum) o el pastel Mujer y niño delante de una repisa con una jarra y una palangana (1889, Musée d'Orsay, París), por ejemplo, que también comparten con la obra del museo otras características formales, como el desinterés por la descripción de los fondos o el hecho de que las figuras estén vistas de medio cuerpo. Más que como ejemplos de maternidades «reales», estas imágenes suelen interpretarse como un intento de Cassatt de crear representaciones simbólicas de las mismas. La visión fragmentada de las figuras y del espacio, el uso de una composición asimétrica y poco convencional, por su parte, debe relacionarse con su temprano descubrimiento y asimilación de la obra de Degas y de los grabados japoneses. El carácter abocetado del lienzo, pintado con una pincelada rápida y seca, podría llevar a pensar que se trata de una obra inacabada. Sin embargo, no hay que olvidar que el cuadro fue firmado por la artista, lo que prueba que para Cassatt se trataba de una obra terminada, y que este mismo abocetamiento aparece en otras obras de este periodo.

Mujer sentada con un niño en brazos pertenece al importante conjunto de piezas adquiridas por la Diputación de Bizkaia con destino al museo en la primera Exposición Internacional de Pintura y Escultura celebrada en Bilbao en agosto de 1919. El cuadro había formado parte del envío realizado por la galería de Paul Durand-Ruel (1831-1922), el primer galerista que comenzó a comprar obras a los impresionistas. Su local parisino había acogido en 1876 la segunda exposición de estos pintores, y fue pionero a la hora de organizar muestras monográficas de los artistas con los que trabajaba. Marchante de Cassatt desde 1881, su relación, aunque cordial, fue a menudo conflictiva, dado que Durand-Ruel era muy selectivo a la hora de apoyar las carreras de unos u otros artistas: las de Degas, Monet y Renoir se afianzaron gracias a él, no así las de Cassatt, Morisot, Pissarro o Sisley. Su galería aportó a la Exposición Internacional algunas de las obras más caras, además del Cassatt: Mar brava, de Claude Monet, Vista de Bazincourt y Sendero en el jardín de By, ambas de Pissarro, o una Cabeza de muchacha, de Renoir. De acuerdo a la documentación conservada en los archivos Durand-Ruel & Cie., Mujer sentada con un niño en brazos permaneció en manos de Cassatt hasta el 15 de junio de 1914, cuando fue comprado por la galería. [Miriam Alzuri]

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Este paisaje de otro mundo, en constante cambio, es el aspecto del Sol de cerca. El Solar Orbiter de la ESA filmó la transición de la atmósfera inferior del Sol a la corona exterior, mucho más caliente. Las estructuras en forma de cabello están formadas por gas cargado (plasma) que sigue las líneas del campo magnético que emergen del interior del Sol.

Las regiones más brillantes rondan el millón de grados Celsius, mientras que el material más frío se ve oscuro al absorber la radiación.

Este vídeo fue grabado el 27 de septiembre de 2023 por el instrumento Extreme Ultraviolet Imager (EUI) del Solar Orbiter. En ese momento, la nave se encontraba a aproximadamente un tercio de la distancia de la Tierra al Sol y se dirigía a un máximo acercamiento de 43 millones de kilómetros el 7 de octubre.

El mismo día en que se grabó este vídeo, la sonda Parker Solar Probe de la NASA pasó a sólo 7,26 millones de kilómetros de la superficie solar. En lugar de obtener imágenes directas del Sol, Parker mide las partículas y el campo magnético en la corona solar y en el viento solar. Esta fue una oportunidad perfecta para que las dos misiones se unieran, ya que los instrumentos de teledetección del Solar Orbiter, dirigido por la ESA, observaron la región de origen del viento solar por la que posteriormente pasaría la Parker Solar Probe.

Localiza el musgo, las espículas, la erupción y la lluvia

Esquina inferior izquierda: Una característica intrigante visible a lo largo de esta película es el gas brillante que forma delicados patrones en forma de encaje a través del Sol. Esto se denomina «musgo» coronal. Suele aparecer alrededor de la base de grandes bucles coronales que están demasiado calientes o son demasiado tenues para ser vistos con los ajustes elegidos para los instrumentos.

En el horizonte solar: Espirales de gas, llamadas espículas, se elevan desde la cromosfera del Sol. Pueden alcanzar una altura de 10.000 km.

Alrededor de 0:22: una pequeña erupción en el centro del campo de visión, con material más frío que se eleva hacia arriba antes de volver a caer. No te dejes engañar por el término «pequeña»: ¡esta erupción es más grande que la Tierra!

Centro-izquierda alrededor de 0:30: La lluvia coronal «fría» (probablemente menos de 10 000 °C) se ve oscura contra el fondo brillante de los grandes bucles coronales (alrededor de un millón de grados). La lluvia está formada por aglomeraciones de plasma de alta densidad que caen hacia el Sol bajo la influencia de la gravedad.

Nick Lowe in 1974 © Getty Images
Nick Lowe in 1974 © Getty Images

Cuando la gente se reúne y canta tras un suceso traumático, los himnos elegidos suelen ser «Imagine» de John Lennon o «Redemption Song» de Bob Marley. Más recientemente, «(What's So Funny 'Bout) Peace, Love, and Understanding» de Nick Lowe se ha unido a tan excelsa compañía, ya que el alegato a favor de la tolerancia de la canción conecta ampliamente con la gente. Mientras que las canciones de Lennon y Marley fueron reconocidas tan pronto como se publicaron como clásicos contemporáneos, la de Lowe ha seguido un camino más tortuoso antes de obtener el reconocimiento.

Como bajista/co-vocalista/compositor de Brinsley Schwarz, un grupo londinense de country-rock, Lowe luchó en el anonimato durante los primeros años de la década de 1970. «(What's So Funny 'Bout) Peace, Love, and Understanding» es la canción que abre su sexto álbum, The New Favourites of... Brinsley Schwarz, de 1974. Los puntos fuertes de la canción son evidentes, pero la banda suena apresurada y la voz de Lowe vacilante, inseguro de si realmente cree en su propio mensaje en tiempos cínicos y post-hippies.

El álbum fracasó y los Brinsley se disolvieron, pero Lowe se convirtió rápidamente en un productor muy solicitado por artistas de la talla de The Damned, Dr Feelgood y Elvis Costello. Costello, fan de los Brinsleys, conocía «Peace, Love, and Understanding» y, cuando Lowe estaba produciendo el álbum Armed Forces de Costello, éste grabó la canción. Su banda, los Attractions, impulsan el tema mientras Costello canta con furia controlada; es una interpretación dinámica e impregna la canción de Lowe de un propósito desesperado. La versión de Costello se utilizó como cara B de un sencillo de Lowe, bajo el seudónimo de «Nick Lowe and his Sound», mientras que la discográfica estadounidense de Costello insistió en que la canción apareciera en la edición estadounidense de Armed Forces, y rápidamente se convirtió en una de las favoritas de los fans.

En 1987, el grupo australiano Midnight Oil grabó una versión aún más rápida y áspera, pero carente de la urgencia y la incertidumbre que caracterizaba a la canción. En 1992, el cantante de pop estadounidense Curtis Stigers, que necesitaba una canción para la banda sonora de una película de Whitney Houston, grabó «Peace, Love, and Understanding» en una versión rockera con saxofón incluido. Es una interpretación pedestre, pero la banda sonora de El guardaespaldas vendió 45 millones de copias —el álbum de bandas sonoras más exitoso de la historia—, por lo que Lowe recibió cuantiosos derechos de autor.

Con el cambio de siglo, «(What's So Funny 'Bout) Peace, Love, and Understanding» se convirtió en un estándar contemporáneo. Bill Murray la cantó en el karaoke de la película Lost in Translation (2003), de Sofia Coppola, mientras que en 2004 Bruce Springsteen la entonó en el final de los conciertos estadounidenses Vote for Change (destinados a fomentar el registro de votantes). Acompañado en el escenario por las Dixie Chicks, John Fogerty, Bonnie Raitt y otras estrellas, Springsteen convierte la canción de Lowe en un himno entusiasta.

Ese mismo año, el veterano vocalista aborigen australiano Jimmy Little la grabó en su álbum Life's What You Make It. Little ralentiza la canción, su voz acaricia la letra, sin prisas, reflexiva, sus palabras finales preguntan: «¿Qué tiene tanta gracia? Quiero saberlo». La versión de Little transmite gracia y sugiere su empatía con las preocupaciones de la canción. El cantante de blues estadounidense Keb' Mo' también grabó su versión en 2004, pero su interpretación, demasiado recargada, resulta poco atractiva.

Una grabación de 2007 de The Holmes Brothers, un trío de soul-blues de Virginia, tiene un sabor a patio trasero, con steel guitar, finas armonías y la rica y cansada voz de Sherman Holmes —cuando la canción se desvanece, empieza a declarar: «No necesitamos guerra, no necesitamos armas». Por aquel entonces, el rockero country Steve Earle empezó a interpretar la canción con regularidad, pero tendía a cantarla a trompicones, más ininteligible que comprensible. Dos grupos de rock alternativo, Audioslave y Wilco, empezaron a interpretarla. En la versión de Audioslave, el cantante Chris Cornell le da un toque épico, mientras que la de Wilco es sucinta, con Jeff Tweedy transmitiendo el mensaje de la canción de forma concisa.

La cantante de soul Candi Staton versionó 'Peace, Love, and Understanding' en 2018© Harry Herd/Redferns
La cantante de soul Candi Staton versionó 'Peace, Love, and Understanding' en 2018© Harry Herd/Redferns

En 2018 la banda estadounidense The Clarks la grabó en respuesta a la masacre en la sinagoga Árbol de la Vida de Pittsburgh —buenas intenciones aparte, su versión es un calco de la de Costello—. Ese mismo año Candi Staton la grabó en su álbum Unstoppable. En ella, la gran cantante de soul de Alabama sopesa cada palabra mientras se lamenta de lo poco que hay de paz, amor y comprensión en los Estados Unidos del siglo XXI. «Necesitamos más paz», canta, con la seriedad que le confieren sus raíces gospel.

Durante la pandemia de Covid, la canción de Lowe se hixo muy popular y se grabaron numerosas versiones. En particular, los escoceses Deacon Blue ofrecieron una sombría versión a piano y voz, mientras que los rockeros estadounidenses Sharon Van Etten y Josh Homme la convirtieron en un dúo gótico, todo reverberaciones y angustia ambiental.

La mejor de todas es una versión de 2020 que Lowe grabó vía Zoom con The Southsea Alternative Choir (su hijo adolescente Roy toca la batería). Fue durante el confinamiento y el mensaje de la canción, animado por el coro, se transmite de forma brillante. Lowe tiene 71 años aquí, ya no es el rockero borracho e hirsuto que cantó la canción por primera vez, y ahora toca la guitarra acústica y canta con seriedad sombría. Su mejor canción ha madurado con él.

Garth Cartwright

La edición de bolsillo de The Life of a Song: The stories behind 100 of the world's best-loved songs, editada por David Cheal y Jan Dalley, ha sido publicada por Chambers. Music credits: Parlophone/Warner; Elvis Costello; Sony; Arista; Festival; Alligator; Steve Earle/Warner; Beracah; Edel; We’re Gonna Make It Big Someday/SVE Productions.

Fotografía: Miguel Moliné. Localización: Jurmala (Letonia). Fecha: 29/09/2019. Cámara: Nikon D80 - Distancia focal (DX): 46 mm - Diafragma: f/10 - Velocidad de obturación: 1/250s - Sensibilidad ISO: 100.
Fotografía: Miguel Moliné. Localización: Jurmala (Letonia). Fecha: 29/09/2019. Cámara: Nikon D80 - Distancia focal (DX): 46 mm - Diafragma: f/10 - Velocidad de obturación: 1/250s - Sensibilidad ISO: 100.

A finales de septiembre, la línea dorada que se extiende por todo el golfo de Riga ya no acoge al calor de su arena a los miles de turistas que se acercan a disfrutar de unas aguas tranquilas y poco profundas. Sin embargo, no son pocos los que se acuden a pasar el día en ciudades-balnearios como Jurmala (Letonia) y aprovechan para pasear por la playa cuya longitud supera los 30 kilómetros. Al atardecer, las gaviotas se adueñan del cielo y se posan suavemente en la orilla en busca de comida y reposo.

Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, Zaragoza, 1746 - Burdeos, 1828): El entierro de la sardina, 1808-1812Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, Zaragoza, 1746 - Burdeos, 1828): El entierro de la sardina, 1808-1812.
Óleo sobre tabla, 82 x 60 cm.
Departamento: Museo
Procedencia: Donado por Don Manuel García de la Prada en su testamento de 1836 e ingresado en la Academia en 1839.
Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Nº Inventario: 0676).


Este cuadro puede ser el titulado Baile de máscaras en el inventario hecho a la muerte de Goya. Dentro de su enorme producción, es el perfecto ejemplo de obra pensada y creada en total libertad, para sí mismo o sus íntimos. La multitud, captada con la fuerza de una instantánea, celebra el Carnaval bebiendo y bailando a orillas del Manzanares en torno al estandarte de Momo. En el dibujo preparatorio (Museo del Prado, nº inv. D004018) aparece el rótulo MORTVS en el estandarte, que fue también la primera idea de Goya para el cuadro y que aún es visible, junto con un esqueleto, bajo el rostro sonriente de Momo. Así, la apariencia festiva deja entrever amargura y violencia, con un vigor expresionista muy próximo a los Disparates (1816-17) y anticipando las Pinturas Negras (1820-23).

En 1885 esta obra se incluyó en Cuadros selectos de la Real Academia de las tres Nobles Artes de San Fernando, una colección de estampas que pretendía divulgar el conocimiento de las obras más singulares de la institución y, a la vez, fomentar el arte del grabado. Fue dibujada y grabada por José María Galván. La imagen está acompañada de un texto firmado por Leopoldo Augusto de Cueto.

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4. Gobierno: De reírse a ser el hazmerreír. Rosario Morejón Sabio, Doctora en Psicología.
5. Salud: Una caladita de cianuro, arsénico e isótopos radiactivos: por qué hay que abolir la industria del tabaco. Rutger Bregman es historiador, escritor y cofundador de The School for Moral Ambition, que otorga una beca para profesionales que quieran dedicarse a luchar contra la industria del tabaco.
6. Gobierno: Punto y seguido, punto y aparte y punto final. Ignacio Sánchez-Cuenca es catedrático de Ciencia Política de la Universidad Carlos III de Madrid.
7. Gobierno: Una nueva y peligrosa huida hacia delante. David Jiménez Torres es profesor de Historia en la Universidad Complutense de Madrid. Su último libro es La palabra ambigua. Los intelectuales en España (Taurus).
8. Gobierno: The Pedro Sánchez crisis makes it clear: Spain’s politicians are playing with fire. María Ramírez is a journalist and deputy managing editor of elDiario.es, a news outlet in Spain.
9. Literatura: Queríamos tanto a Paul Auster. Juan Manuel de Prada.
10. Gobierno: Hay que derribar el muro. Virgilio Zapatero es rector emérito de la Universidad de Alcalá.

Nacido de su pasión por la historia, Drew Gardner recrea retratos de algunas de las figuras históricas más famosas del mundo presentando a sus descendientes directos. Tras una investigación en profundidad para rastrearlos y verificar su linaje, los retratos se recrean cuidando hasta el más mínimo detalle. Desde el vestuario y el atrezo de la época hasta los fondos auténticos. A continuación, Drew analiza cuidadosamente la iluminación de cada retrato y los recrea pacientemente utilizando las técnicas de iluminación más modernas. Los resultados finales suelen mostrar asombrosos parecidos con sus antepasados.

Un caso particular de la serie es la compuesta por retratos de combatientes negros de la Guerra Civil estadounidense, recreados con sus descendientes y capturados con una cámara de placas TinType de 5x7 pulgadas. Fue la culminación de tres años de trabajo, investigando archivos y colecciones para encontrar el mayor número posible de fotografías y colaborando después con la unidad de Patrimonio Negro de WikiTree para establecer su árbol genealógico y luego rastrear y contactar con los descendientes. Al igual que con el resto de la serie, se buscó el mayor número posible de objetos de atrezo auténticos y originales, y los que no pudieron localizarse fueron fabricados desde cero por un equipo de artesanos.

1992 fue un año difícil para Estados Unidos. Empezó con el juicio a cuatro agentes de la policía de Los Ángeles acusados de agredir a Rodney King, un joven taxista afroamericano. Filmado por casualidad, las imágenes del incidente se repitieron sin cesar en las noticias, mostrando a los agentes electrocutando a King antes de golpearle salvajemente mientras intentaba levantarse del asfalto. El 29 de abril de 1992, un jurado compuesto exclusivamente por blancos absolvió a los agentes acusados y se produjeron disturbios en Los Ángeles, uno de los más graves de la historia de Estados Unidos. Tras los disturbios, el guitarrista Tom Morello estaba enseñando a un alumno la afinación drop D (una afinación alternativa utilizada a menudo por los guitarristas de rock pesado) cuando se le ocurrió un riff tan bueno que tuvo que interrumpir la clase para grabarlo.

Los disturbios fueron un momento decisivo para la banda de Morello, Rage Against the Machine. La brutalidad policial ejemplificaba la máquina contra la que luchaban. Tanto Morello como Zack de la Rocha conocían el racismo estadounidense. Morello era medio keniata: su tío abuelo era Jomo Kenyatta, el primer presidente electo del país. A pesar de ello, cuando su madre intentó conseguir un trabajo de profesora en los suburbios de Chicago, a menudo le decían: «Puedes trabajar aquí, pero tu familia no puede vivir aquí». En una ocasión, De la Rocha describió su ciudad local de Irvine, California, como «una de las ciudades más racistas imaginables».

El mismo año en que Francis Fukuyama teorizó sobre cómo la democracia liberal occidental había acabado con la historia, Morello y de la Rocha publicaron el álbum de debut homónimo de su banda, un reproche al capitalismo estadounidense con su doble moral y su población zombi. El riff drop D de Morello generó su primer single, «Killing in the Name», su respuesta a la paliza a King. A día de hoy, la canción sigue siendo la firma de la banda. Aunque el grupo estaba muy influido por el hip-hop, evitó los samplers y las cajas de ritmos, optando en su lugar por baquetas, cuerdas y amplificadores. En palabras de Timothy White, de Billboard, Rage produjo «un muro de estridor tan hábilmente tejido que está destinado a ser el estándar para cualquier headbanger audaz que se atreviera a seguirles».

Algunas canciones se definen por las actuaciones en directo, otras por las películas o los vídeos; pero «Killing in the Name» se definió por la radio, concretamente la radio británica. Empezó el 21 de febrero de 1993, cuando Bruno Brooks, DJ de Radio 1 de la BBC, emitía su lista semanal de éxitos. En el número 27, estaba demasiado distraído para darse cuenta de que De la Rocha había dicho al público británico «Fuck you I won't do what you tell me (Jódete, no haré lo que me digas)» 15 veces. Hubo 138 quejas. Como señaló el biógrafo de la banda, Joel McIver, fue el mejor lanzamiento posible.

Zack de la Rocha y el guitarrista Tom Morello de Rage Against the Machine en 1993 © FilmMagic, Inc
Zack de la Rocha y el guitarrista Tom Morello de Rage Against the Machine en 1993 © FilmMagic, Inc

Entonces, en 2009, un consultor de marketing, Jon Morter, dirigió una campaña en Internet para conseguir que «Killing in the Name» encabezara las listas navideñas del Reino Unido por delante de los recurrentes campeones del programa de talentos The X Factor. Morter eligió la canción por razones obvias: «Era la antítesis de cualquier cosa que sacara The X Factor». La campaña creció exponencialmente, respaldada por Dave Grohl, Paul McCartney y The Prodigy, y se completó el 20 de diciembre, cuando la canción alcanzó el número uno. La campaña valió a la banda el récord Guinness de la canción digital que más rápido se vendió en el Reino Unido: 502.672 descargas en una semana.

«Killing in the Name» ha sido versionada y adaptada en numerosas ocasiones. Podría decirse que la mejor adaptación es la de Andy Rehfeldt, un compositor que regrabó el tema como una remezcla de jazz y lo sincronizó con un vídeo de uno de los conciertos en directo de Rage. Sin embargo, no todos las adaptaciones han sido tan aceptables. A pesar del rechazo explícito de la canción a la violencia estatal, Rage se horrorizó al enterarse de que se había utilizado para torturar a detenidos en el campo de detención de Guantánamo, reproduciéndose a todo volumen durante sesiones de privación sensorial. En octubre de 2009, la banda prestó su nombre a una campaña para cerrar el centro.

Tres años más tarde, Morello recurrió a Twitter después de que el político de derechas británico Nigel Farage utilizara «Killing in the Name» en la conferencia del Ukip de 2012, escribiendo «Estamos en contra de todo lo que representas. STOP. IT». Asimismo, en 2020, un clip de partidarios de Donald Trump ataviados con banderas pro-policía «Blue Lives Matter» bailando el himno anti-policía de Rage se hizo viral tras la elección de Joe Biden como presidente de Estados Unidos. «No es exactamente lo que teníamos en mente», respondió Morello.

La última portada polémica apareció en Facebook en el año 2012. Los fans se escandalizaron al descubrir que la canción había sido adoptada por el Coro Militar de Corea del Norte. Tras millones de visitas, fue necesario que el equipo de verificación de hechos de Reuters demostrara que era falsa.

Escribir canciones políticas es algo poderoso, sobre todo cuando es tan atronador como «Killing in the Name». Sin embargo, una vez que está ahí fuera, es muy difícil de controlar. Por ejemplo, las denuncias de la «propiedad privada» en «This Land Is Your Land» de Woody Guthrie han sido alegremente pasadas por alto por los republicanos de derechas, que han utilizado la canción en campañas y mítines; lo mismo ocurre con «Born in the USA» de Bruce Springsteen, ampliamente malinterpretada. Morello y de la Rocha nunca hubieran imaginado que su rabia llegaría tan lejos. De hecho, sigue viva hoy, aunque la máquina cambie.

Miles Ellingham

La edición de bolsillo de The Life of a Song: The stories behind 100 of the world's best-loved songs, editada por David Cheal y Jan Dalley, ha sido publicada por Chambers. Music credits: Epic/Sony; Andy Rehfeldt.

Wenzel Peter, (Karlsbad 1745 - Roma 1829): Adán y Eva en el Paraíso Terrenal,

Wenzel Peter (Karlsbad 1745 - Roma 1829): Adán y Eva en el Paraíso Terrenal.
Lienzo al óleo, 336 x 247 cm
Museo Vaticano (Inv. 41266)


El enorme lienzo representa el momento culminante de la carrera de Wenzel Peter, pintor animalista, es decir, especializado en un género muy singular que le llevó a reproducir con extraordinario naturalismo animales de especies muy variadas, "fotografiados", por decirlo así, en sus gestos estáticos o de lucha.

El Paraíso Terrenal es la prueba del virtuosismo más elevado, ya que el artista reúne, alrededor de las figuras de Adán y Eva, las de más de doscientos animales de todo el mundo, reproducidos no sólo con habilidad pictórica, sino también con conocimientos profundos y precisión científica.

En 1831 Gregorio XVI (pontífice desde 1831 hasta 1846) adquirió veinte obras del pintor austriaco Wenzel Peter para adornar la Sala del Consistorio en el Apartamento Papal de representación.