Arte

Quentin Tarantino, armado con una Leica

Cuando Quentin Tarantino tenía 30 años y un tupé razonablemente frondoso, y una perilla de informático virgen, y un currículo de folio en blanco, tuvo el arrojo de plantarle cara a Harvey Weinstein (el distribuidor de cine independiente más importante de Estados Unidos) para decirle que no metiera las tijeras en su primera película.

Weinstein, que era un tipo visionario, tiránico y gruñón, trató de convencerle de que suprimir la escena más emblemática de Reservoir Dogs era lo conveniente. Quiso arrancarle, en pocas palabras, la parte de la tortura y la oreja.

—Verás, Quentin, esa escena le quita posibilidades a la película en el mercado.…  Seguir leyendo »

Visitors look at the Rosetta Stone next to social distancing markers on the floor at the British Museum in August 2020 in London. (Chris J. Ratcliffe/Getty Images)

In June, U.N. High Commissioner for Human Rights Michelle Bachelet offered a reminder that “systemic racism needs a systemic response.” She called for the immediate dismantling of the systemic racism that Black people face around the world and set out a four-point agenda for this transformation.

Just over a year after the killing of George Floyd, the report was widely discussed. But a key aspect was not as visible in public discourse as it should have been. Among other points, the report recommends the necessity of reparations for colonial injustices.

This poses a significant question for European countries, which have benefited greatly from wealth stolen in the colonial era.…  Seguir leyendo »

En su libro El renacimiento en Italia, J.A. Symonds cuenta cómo a finales del siglo XV una noticia asombrosa se extendió por toda Roma. Unos obreros encontraron un sarcófago de la antigüedad romana, donde estaba el cuerpo de una joven de increíble belleza. Bálsamos desconocidos habían conservado intacta su juventud, y sus mejillas y sus labios brillaban ajenos a los estragos del tiempo. Fueron muchos los que peregrinaron desde todos los barrios de la ciudad para contemplar a la muchacha, cuya cabellera de color miel se derramaba sobre sus hombros sobrepasando en belleza cuanto pudieran imaginar o describir. Y fue tal la conmoción que causó el descubrimiento que el Papa, temeroso de que este nuevo culto de un cuerpo pagano pudiera dañar el prestigio de la Iglesia, lo mandó enterrar aprovechando la noche.…  Seguir leyendo »

Works by Bathsheba Okwenje, a Ugandan artist whose residency at 32° East looked at conflict and the politics of migration and return through everyday objects. Photograph: Courtesy of 32° East | Ugandan Arts Trust

I’ve been raising funds for a building project: not a hospital, not a school, but an arts centre.

It’s not an easy sell at the best of times but add in a pandemic and the fact that I’m in Africa and, according to the current rules of financial engagement, art is the verylowest of priorities.

According to the people who decide these priorities, art does not create thousands of jobs, or keep people from dying, and it doesn’t “scale up”.

I used to work in development, so I understand where this mindset comes from, but now that I have worked in arts and culture, I see repeatedly how much Ugandan society misses out on because we do not prioritise our art.…  Seguir leyendo »

Goya a su médico Arrieta (Francisco de Goya, 1820). Wikimedia Commons / Minneapolis Institute of Arts

Francisco José de Goya y Lucientes (1746-1828) es uno de los pintores más importantes de la historia. El autor produjo más de 1.800 obras de arte que van desde pinturas decorativas a retratos de nobles españoles y humildes trabajadores, lo que le ha valido la reputación de ser uno de los más grandes artistas de los tiempos modernos. En 1793 desarrolló una misteriosa enfermedad y las secuelas que le ocasionó provocaron que el carácter de la obra del pintor cambiara radicalmente. Así creó obras fabulosas, a veces oscuras y colmadas de dolor, que enriquecieron su legado. ¿Qué ocurrió? ¿Por qué cambió Goya?…  Seguir leyendo »

Arte sin fronteras

Víctor Casas está en su porche, sentado en una caja de fruta al revés, su cabello está atada en una cola de caballo, la expresión al mismo tiempo inquisitiva y distante, como si al mismo tiempo estuviera plantado en la Tierra y explorando las estrellas. Su perrito negro, Kujo, festeja mi visita con carreritas. Me encuentro en esta ciudad de la frontera entre Texas y México para conocer más sobre su escena de arte mural.

Casas, un muralista local, se hace llamar Mask. “Todo es migración”, me dice, una perspectiva formada por haberse criado entre las ciudades hermanas de El Paso y Juárez del otro lado del río Bravo.…  Seguir leyendo »

Walter Benjamin coleccionaría criptoarte: el aura llega a internet

El 11 de marzo la casa de subastas Christie’s vendió por cerca de 70 millones de dólares Everydays — The First 5000 Days, de Beeple (nombre artístico de Mike Winkelmann). La obra es retrospectiva y consiste en un collage digital de las imágenes que Beeple había creado y compartido gratuitamente a diario durante los últimos trece años. El valor de la serie era sobre todo simbólico: se ha vuelto millonario al convertirse en una obra única.

Estamos viviendo una avalancha de subastas de obras de criptoarte y criptocultura, a partir de la transformación de archivos digitales en activos token no fungibles (NFT, por su sigla en inglés).…  Seguir leyendo »

Visita de la exposición de 'Pasiones mitológicas' en el Museo del Prado.Olmo Calvo

Tiziano, que nunca estuvo en España, conoció a Felipe II en Milán, a fines de 1548, cuando este era todavía solo un príncipe. Había trabajado para su padre, Carlos V, quien le encargaba pintura religiosa, algo a lo que Tiziano era también afecto, pero su enorme prestigio entre los nobles italianos venía sobre todo de sus cuadros eróticos, a los que solía anteponerles algún título mitológico para cubrir las apariencias. Porque la Iglesia, muy susceptible a este respecto, solía respetar rigurosamente las imágenes supuestamente validadas por la mitología, y, sobre todo, si el pintor decía haberse inspirado en la Metamorfosis de Ovidio, muy leído y reverenciado en aquella época.…  Seguir leyendo »

Mi primer Arco fue en 1987. Entonces vivía en Madrid, así que la galería neoyorquina Brooke Alexander me contrató para echar una mano en su stand. Desde entonces, he estado en cientos de ferias, pero aquella fue la primera. Enseguida descubrí que, cuando te pasas el día sentada en un stand, te sientes como un pez de colores en una pecera. Pero solo más tarde comprendí la singularidad del concepto de aquella feria. Con tan solo cinco años de vida, Arco proponía una alternativa al modelo algo estirado y selecto que representaban predecesoras tan ilustres como las ferias de Colonia (desde 1967), Basilea (1970) o Chicago (1980).…  Seguir leyendo »

Hay cuestiones peregrinas sobre las que, en principio, resulta más sensato no entrar. A no ser que, reiterada y machaconamente, se presenten a la opinión pública con intención, las más de las veces, de confundirla.

Es acerca de una de estos temas sobre el que quiero hoy reflexionar. Se trata de la cuestión de los orígenes del arte moderno, que estos días vuelve a plantearse con ocasión de la adquisición por el museo del Prado de un cuadro, fechado hacia 1923, de Maria Blanchard.

Es sabido que en 1995 se promulgó un Real Decreto, que continúa vigente, delimitando cronológicamente el reparto de las colecciones nacionales de obras de arte entre el Museo del Prado y el Museo Reina Sofía.…  Seguir leyendo »

Varios jóvenes cantan durante una protesta pacífica frente al Ministerio de Cultura en La Habana. Ernesto Mastrascusa / EFE

En Cuba tiene lugar el conflicto entre una comunidad de jóvenes artistas, que busca un marco asociativo independiente, y el Gobierno de la isla. El cubano, uno de los pocos regímenes del socialismo real que persisten, posee instituciones (Unión de Escritores y Artistas, Asociación Hermanos Saíz, consejos nacionales, Instituto de Cine y otros), subordinadas con mayor o menor rigidez al Ministerio de Cultura y al Partido Comunista.

Las nuevas generaciones, que han sufrido una intensificación de mecanismos de control y censura, presionan para crear nuevas normas a favor de la autonomía gremial. Cineastas han demandado una ley que flexibilice la producción cinematográfica, dramaturgos y actores lo mismo, nuevas cooperativas de producción musical son un fenómeno creciente.…  Seguir leyendo »

Galdós y Goya, España y libertad

Shakespeare relee a Plutarco, Sterne imita a Cervantes, la modernidad española recauchuta la poesía del Siglo de Oro y el pintor Turner luchará para exponer un cuadro junto a una de las fugas de luz de su maestro Claudio de Lorena. Transmisión y emulación: hay algo reconfortante en la piedad con que los discípulos pagan a sus maestros el tributo del reconocimiento, del mismo modo que hay algo hermoso en la consideración de la filiación artística como afecto inmune al tiempo. Tomemos a Goya y Galdós: uno muere en 1828, el otro nace en 1843. Ni un solo día coinciden sus vidas, pero al leer el Episodio Nacional de «La corte de Carlos IV» volvemos los ojos al cuadro de «El Prado», de igual modo que el gesto crítico de «Los fusilamientos» nos remite al Gabriel Araceli que salva su muerte en «El 19 de Marzo y el 2 de Mayo».…  Seguir leyendo »

La Patafísica no es ninguna broma como creen algunos de los gacetilleros de «fake news». Tampoco es una ciencia. ¡Es la ciencia!, la que rige las excepciones y explica el universo suplementario -como dijo Alfred Jarry-. Los hados atraviesan sin saludar a nadie. Los patafísicos (y mis amigos) no mueren. Se ocultan. ¡Era tan sencillo dar con la palabra! Precisamente hace unas semanas, se ocultó Thieri Foulc la esencia de la Patafísica. Como los tres seres que no ceso de añorar todos los días: André Breton, quien fue la esencia del surrealismo, Tristan Tzara, de Dadá, y Roland Topor, del pánico.…  Seguir leyendo »

Venga, acérquese y opine

Han abierto los museos. Cuando el director del Prado presentó la nueva forma de mostrar sus cuadros, dijo que la muestra significaba la destilación del perfume del Prado, su quintaesencia. Viejos conocidos en un orden nuevo. Eso tan simple y tan cierto no es sencillo. Implica una toma de postura, una concreta respuesta, a diversas preguntas que los cuidadores del tesoro, los narradores de la historia se han formulado antes de aplicar un nuevo método de exhibición. Quizá sea presuntuoso por mi parte intentar explicarlo: no soy técnica en estas materias. Pero ¿por qué no permitir a un simple espectador dar su opinión después de emocionarse con una visita increíble, provocadora de sentimientos desconocidos ante la belleza conocida, pero redescubierta?…  Seguir leyendo »

Arte y censura

Bajo uno de los retratos de Walter Scott en la Galería Nacional de Edimburgo cuelga desde hace poco un aviso: su visión de Escocia estaba nublada por tintes románticos y muy alejada de la realidad. Como si bajo el (supuesto) retrato de Cervantes pintado por Jáuregui se advirtiera que los gigantes que Don Quijote creyó ver en La Mancha eran simples molinos de viento. Julio Camba decía (en broma) que ciertos discos deberían llevar un cartel como el que aparece en las cajetillas de tabaco: “Peligro. Contiene música romántica”. Pero hoy (en serio), la HBO va a añadir una explicación a Lo que el viento se llevó, y Disney ya ha creado la etiqueta “este programa puede contener representaciones culturales obsoletas”: el tipo de mensaje que se inserta en las llamadas (reflexiónese un momento sobre la denominación) “películas para adultos”.…  Seguir leyendo »

Pensar una ley de educación que deje en “decretos de desarrollo curricular” al arte es condenarlo al arbitrio y la contingencia. Solo teniendo una concepción limitada de las capacidades desarrolladas en el proceso creador —uniéndolas al ocio o al entretenimiento— se puede tomar tal decisión. Permítanme compartir algunas ideas sobre las funciones del arte en la educación, que han sido desarrolladas durante siglos, en momentos donde el futuro del ser humano se enfrentaba a grandes retos, incluso a su propia supervivencia.

El proceso creador permite la expresión organizada de los impulsos internos. Es curioso que la mayoría de las personas ajenas al arte piensen en la actividad creadora como una especie de catarsis que libera tensiones y permite la famosa función de “expresión sin reflexión”, cuando es exactamente lo contrario: el arte organiza y toma el control simbólico de una experiencia interna, ordenándola, exteriorizándola y reflexionando sobre ella.…  Seguir leyendo »

An artist spraying paint on a sculpture of the Hindu goddess Durga in Lalitpur, Nepal, last year. Credit Monika Deupala/Reuters

As an artist, I am a creator, though referring to myself that way makes me somewhat uncomfortable. For most of my life, the word “creator” has meant the Creator of all things, especially in the native tradition, and I would not by any means compare my meager efforts at creation to Creation.

But art is truly an act of creation. And creation is an act of art.

When we create art, it’s a product of three components: the mind, the heart and our past experiences. As an actor, sculptor and author, I have found that this interconnectedness is a large part of why art matters.…  Seguir leyendo »

Credit...Carrie Mae Weems, Scenes & Takes. Courtesy of the artist and Jack Shainman Gallery, New York, NY

Art matters because artists matter.

For years I used to get up early and walk to the corner store to grab my weekend fix: a Sunday edition of The New York Times. (My Sundays today still include The Times, albeit the one on my iPad.) It’s the best newspaper in the nation, and I loved it even during those long stretches when I don’t remember seeing a single story on black or brown artists for weeks on end. There was nothing in the Arts section, nothing in dance, nothing in film, nothing in the Book Review and, astonishingly, very little in music.…  Seguir leyendo »

A scene from Opera Vlaanderen’s production of “Pelléas et Mélisande” in 2018 in Antwerp, Belgium. The opera was co-directed by Damien Jalet and Sidi Larbi Cherkaoui. Iris van Herpen designed the costumes. Credit Annemie Augustijns

Iris van Herpen and Damien Jalet are known for pushing boundaries in their respective fields. Ms. van Herpen, a Dutch fashion designer, fuses traditional craftsmanship with modern technology to create sculptural forms. She has dressed Beyoncé, Björk and other performers, and has designed costumes for the Paris Opera and the New York City Ballet. Mr. Jalet, a Belgian-French choreographer, often experiments with perspectives and blends visual art into his presentations. He has collaborated with Thom Yorke, Madonna, Paul Thomas Anderson and many others.

In early May, we asked Ms. van Herpen and Mr. Jalet to discuss the creative process, the importance of originality and why art matters in our modern times.…  Seguir leyendo »

The painter Salman Toor in his Brooklyn studio. Credit Peter Fisher for The New York Times

The word “art” can seem pretentious: When people hear it, they worry someone will force them to read a novel, or go to a museum, or see a movie without any explosions in it.

To me, art simply refers to those aspects of our lives that can be suffused and transformed by creativity. And having creativity in our lives is important. Without it we’re just going through the motions, stuck in the past. With it we feel alive, even joyous.

But if I say that art is simply life imbued with creativity, isn’t that just a case of obscurum per obscurius — of explaining the murky with the even murkier?…  Seguir leyendo »